Entrevista exclusiva con Tensal

Una charla sobre su evolución, influencias y el futuro del género

1. Tu música parece diseñada para ofrecer una experiencia auditiva única y personal. ¿Qué elementos consideras clave para generar esa conexión íntima con el oyente? ¿Hay algún tipo de emoción o estado de ánimo específico que busques provocar con tu música?

Definitivamente sí, claro que hay elementos que añado o dejo de añadir en mis producciones para intentar generar estados de conciencia favorables, cosas como la hipnosis, la repetición o, en algunos casos, algún tipo de clímax.

Estos elementos pueden ser sonidos directamente, o bien diversas formas de desarrollo que puedo elegir para generar las emociones que considero convenientes en cada momento.

2. En una era donde el algoritmo domina el consumo musical, ¿cómo mantienes la esencia purista y underground de tu música sin dejar que se diluya por las tendencias? ¿Cómo ves el impacto de las plataformas de streaming en la percepción del techno y la música electrónica más experimental?

Para mí es fácil no dejarme llevar demasiado por las tendencias porque, en realidad, si hablamos de influencias musicales, lo que más influye en mi música es el sonido de los 80 y los 90, con el que crecí. Es la música que me hizo enamorarme de todo esto. Aun así, creo que las tendencias se nutren constantemente de lo que ya se ha hecho. Es cierto que internet y sus plataformas han cambiado por completo los hábitos y las formas de consumo en los últimos años.

Antes teníamos que salir a buscar información tanto sonora como visual, esto lo hacíamos consiguiendo cintas de casete de actuaciones de DJs en vivo para intercambiarlas por otras, leyendo revistas y escuchando la radio. También podías conseguir información comprando algún disco, pero ese era un recurso que requería mucho esfuerzo conseguir y no estaba al alcance de todo el mundo.

3. ¿Qué papel juegan las máquinas analógicas en tu proceso creativo? ¿Crees que la tecnología digital ha robado parte del alma al sonido techno? ¿Hay alguna máquina o herramienta que consideres esencial para capturar esa esencia del techno que buscas?

Definitivamente el hardware clásico es una herramienta con la que cuento en todas mis producciones de un modo u otro. Efectivamente, como apuntas, creo que cosas como Ableton y otras herramientas han contribuido a la unificación del sonido. Creo que hay demasiadas personas creando un sonido exactamente igual.

En mi caso, no he utilizado nunca Ableton para producir, básicamente por esta razón. Casi todo lo que pasa por ahí me suena igual, aunque he de decir que pincho y admiro mucha música hecha de este modo, pero no es lo que quiero para mí. Necesito mantenerme fiel a mis orígenes y a mis métodos si no quiero perder mi esencia. Para mí, mantener un enfoque personal también implica el modo en el que hago las cosas.

Se podría decir que un sintetizador analógico o analógico-digital es imprescindible en todos mis trabajos.

4. Aunque a menudo se asocia el minimalismo con simplicidad, en tu caso parece reflejar más bien una búsqueda de equilibrio y profundidad en los elementos esenciales. ¿Es esta estética minimalista una decisión consciente, una necesidad técnica o algo que emerge naturalmente en tu música? ¿Cómo defines el concepto de «equilibrio» y «profundidad» en tu música?

Para mí el espacio genera fuerza. Ese vacío entre beats que impulsó el primer techno minimalista, tan reminiscente del clásico dub jamaicano y que impulsó gente como Maurizio, fue una pequeña revolución en mi mente a mediados de los 90. Quizás por eso tengo cierta debilidad por intentar quitar el máximo de elementos posibles en mis producciones, porque con demasiada frecuencia tendemos a incorporar elementos de relleno que no cumplen ninguna función posterior o no resaltan de ningún modo en el desarrollo.

Pero mantener el equilibrio también es importante para mí, por eso hay veces que añado algún elemento al principio para silenciarlo después, cuando el tema está más avanzado. Quizás todo esto no defina el concepto de profundidad y equilibrio en mi música, pero lo explica, al menos para mí.

5. Tu último lanzamiento se publicó el pasado 6 de diciembre. ¿Qué conceptos o ideas hay detrás de este trabajo? ¿Hay algo que quisiste explorar o expresar que no habías hecho antes? ¿Sientes que este lanzamiento marca una evolución en tu sonido, o es una extensión de lo que has estado trabajando hasta ahora?

Mi último lanzamiento es una colaboración con Vince Watson bajo su aka de techno Amorphic que se llama “Distant Landscapes” y que acaba de salir en Blueprint Records.

La historia es muy sencilla y el concepto también. Vince me escribió a principios de año para decirme que estaba pensando en arrancar una serie de colaboraciones para impulsar un poco su nuevo proyecto. Yo soy un gran fan suyo desde sus primeros trabajos de techno Detroit en Planet E Communications, R&S Records y otros grandes sellos, así que no dudé en aceptar.

Simplemente, él grabó y me envió varios sonidos con los que empezar a trabajar, y yo hice lo mismo. Después de unos meses de trabajo salieron 8 tracks y él propuso enviarle algunos a James Ruskin para su sello Blueprint, y le gustaron mucho, lo cual me pareció genial porque Blueprint es uno de mis sellos favoritos desde su primera referencia y tengo decenas en mi colección. El resto de tracks se los enviamos a Bas Mooy, que también los aceptó y saldrán en Mord a mediados del próximo año. Supongo que todos estamos muy contentos con el resultado.

Conceptualmente, no es más que el resultado de las transmisiones sónicas realizadas por dos artistas afines, pero de generaciones distintas, que no se conocen personalmente, pero que se admiran y respetan mutuamente. Ahí radica la esencia de estos dos trabajos.

6. ¿Qué máquinas, herramientas o técnicas han sido clave en este nuevo proyecto? ¿Cómo han influido en el carácter de los temas? ¿Ves alguna conexión entre la tecnología que usas y las emociones que buscas transmitir con tu música?

Para este proyecto, básicamente utilicé algunas secuencias que hice con el Waldorf Iridium, el Arturia PolyBrute, el Roland SH-01 y un Access Virus B, además de algunos plugins y algún loop de librerías antiguas de Akai que encontré por casa. Siempre quiero mantener un cierto grado de espiritualidad retro en mi música, y a veces me gusta rebuscar por los cajones o armarios en busca de algún cacharro o muestras antiguas para mezclarlas con plugins actuales. Para mí, los plugins son el mejor y mayor aporte tecnológico del siglo en cuanto a producción.

En cuanto a Vince, deberías preguntarle a él. Me consta que le gusta combinar elementos como a mí, pero no tengo los detalles.

7. Exium ha sido una parte fundamental de tu trayectoria. ¿Cómo dirías que la evolución de Tensal como proyecto en solitario ha influido en el enfoque sonoro o creativo de Exium?

En el desarrollo de Exium influye todo lo que pasa tanto por mi mente como por la de Valentín. Es evidente que algunos elementos de nuestros proyectos en solitario se filtran ocasionalmente en nuestras producciones conjuntas, al igual que ocurre a la inversa. Al final, somos personas, y por mucho que intentemos disociarlo, son las mismas mentes las que están detrás. Aun así, intentamos mantener el espíritu de Exium lo más independiente posible, y los conceptos a la hora de plantear los temas suelen ser diferentes en su mayoría, aunque algunos, inevitablemente, coincidan. Si te fijas en nuestra discografía, Exium abarca un mundo sonoro mucho más amplio.

8. En un contexto donde la música comercial a menudo busca influir en las emociones o estados de ánimo, tu enfoque parece más auténtico y conectado con las frecuencias que impactan a nivel interno. ¿Cómo percibes la relación entre las frecuencias sonoras y la experiencia emocional del oyente, y qué lugar tiene esto en tu proceso creativo?

Mi intención al expresarme está más enfocada en alterar ciertos instintos que, creo, habitan en todo ser humano, que en modificar frecuencias sonoras concretas. Es algo más visceral y menos científico. Sinceramente, creo que la música electrónica, y el techno en particular, remueven nuestros instintos más primarios. Hay algo en la repetición, la hipnosis y el trance sonoro que despierta ciertos grados de consciencia plena, más allá de nuestro propio entendimiento. Por eso, desde tiempos ancestrales, el ser humano tiende a agruparse cada cierto tiempo en rituales ceremoniales de conexión y curación. Antes lo hacía durante horas, rodeado de sonidos repetitivos y percusivos alrededor de un fuego; ahora vamos a los clubes.

9. ¿Qué te llevó a adentrarte en el mundo del techno y cuáles fueron los artistas, movimientos o momentos que marcaron el inicio de tu camino en la música electrónica? ¿Cómo ha evolucionado tu percepción del techno a lo largo de los años?

Personalmente, me adentré muy joven en este mundo, y todo comenzó porque cayó en mis manos una cinta de casete de acid house en 1988. Aunque ya tenía cierto conocimiento e influencia del techno pop de los 80 y de los primeros ecos de la ruta valenciana —porque este tipo de música sonaba en algunas radios convencionales—, al principio, cuando escuchaba esa cinta, no entendía nada: todo me parecía igual. Pero había algo en ella que me empujaba a volver a escucharla una y otra vez, hasta que empecé a apreciar los detalles. Al cabo de unas semanas, ya distinguía todos los tracks y las mezclas. Un mundo nuevo se abrió ante mí. Sin embargo, como solo tenía 11 o 12 años, tuve que esperar un par de años más hasta que pude acceder a un club.

Lo cierto es que soy afortunado, porque no he conocido otra cultura de ocio nocturno más que esta. La primera vez que pude salir de noche, alrededor del año 91, ya fui a un club de techno, y para entonces llevaba algún tiempo comprando discos. Cuando entré allí, ya no quise conocer nada más. Al principio, fueron razones culturales las que me atraparon, pero después las sociales calaron en mí con fuerza. Eran sitios sin clichés ni estereotipos, donde el mero hecho de estar allí ya te hacía cómplice del resto. Todos éramos aceptados, fuera cual fuera la condición de cada uno.

Los primeros DJs que seguíamos eran locales de Asturias y pinchaban un poco de todo: EBM, post-punk, techno alemán, trance, acid house, electro, rock gótico, techno de Detroit, house de Chicago… Al principio, aquí se mezclaba un poco de todo.

La evolución ha sido curiosa, porque yo creo que no se ha vuelto a crear nada realmente original desde los años 90. Solo se repiten conceptos, y casi siempre de manera errónea. Recuerdo, por ejemplo, que en 1995 arrancamos el año escuchando aún mucho acid trance. Después, durante unos meses, sonó mucho Goa y hard trance, y hacia mitad de año el sonido fue derivando cada vez más hacia el techno, mayoritariamente británico, y cada vez más minimalista. Pasamos por artistas como Dave Clarke, Underworld, Slam y los primeros lanzamientos de Soma, Laurent Garnier y F Communications, The Advent, Cristian Vogel o Neil Landstrumm. Terminamos el año con los primeros discos americanos antiguos de principios de los 90 que comenzaban a llegar desde Submerge, con sellos como UR, Red Planet y Axis. Aunque esos discos ya tenían dos o tres años, aquí nunca habían sonado. Todo esto ocurrió en un solo año.

Ahora, en cambio, tengo la sensación de que llevo 10 años escuchando el mismo tema. Antes, todo pasaba muy rápido: era mucho más intenso y mejor. Hoy estamos demasiado ocupados viendo o mirando ciertas cosas, y a veces no escuchamos las que realmente son necesarias.

10. Komatssu parece un espacio donde exploras sonidos más atmosféricos y experimentales. ¿Qué te impulsa a trabajar bajo este alias y cómo enriquece tu visión general como productor? ¿Cómo fusionas los elementos más experimentales de Komatssu con el enfoque más estructurado y purista de Tensal?

Komatssu es, para mí, una vía de escape. Es mi proyecto más personal, un refugio donde puedo dar rienda suelta a mi lado más musical. A su vez, es el espacio donde puedo experimentar con total libertad, ya que su carácter es marcadamente atemporal: no se rige por ningún patrón preestablecido, ni técnico ni estético. Supongo que todos los elementos que conforman mi imaginario sonoro terminan formando parte, de una u otra manera, de todo lo que hago. No podría ser de otra forma.

11. ¿Qué te gustaría que la gente recordara de Tensal, Exium y Komatssu cuando escuchen tu música dentro de 20 años? ¿Hay algún aspecto específico de tu legado que consideras más importante, como tu innovación, impacto en la escena, o fidelidad a tus principios?

Lo que me gustaría es que, dentro de 20 años, pase lo mismo que sucede ahora cuando la gente escucha lo que hicimos hace 20 años o más: que siga sonando innovador, fresco y honesto, que no se diluya en las modas y permanezca fiel a los estímulos que forman parte de mi universo sonoro. Que continúe emocionando, que mis temas se puedan escuchar en cualquier momento y contexto, y que sigan sonando potentes y futuristas. Me gustaría que todo siguiera igual.