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Cecilia Tosh — Secrets EP: atmósfera y narrativa en el techno contemporáneo

Cecilia Tosh — Secrets EP (Denude): atmósfera, narrativa y precisión en el techno contemporáneo

Cecilia Tosh debuta en Denude con Secrets EP, un lanzamiento de techno que explora tensión, espacio y narrativa desde una perspectiva íntima y orientada al club.

 

Hay artistas que construyen desde la acumulación, y otros desde la contención. Con Secrets EP, su debut en el sello Denude, Cecilia Tosh se sitúa claramente en el segundo grupo.

 

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Afincada en Berlín y residente en Tresor, Tosh traslada a este EP una sensibilidad desarrollada en sets de larga duración, donde el tiempo, el espacio y la tensión no son recursos, sino lenguaje. Este enfoque define un release que equilibra atmósfera, precisión técnica y funcionalidad en pista.

 

 

En este contexto, Denude continúa consolidando una línea editorial centrada en el detalle y la profundidad, apostando por un techno donde la narrativa sonora tiene el mismo peso que su aplicación en club. Secrets EP se integra en esa visión como una propuesta coherente y cuidadosamente construida.

Un proceso personal convertido en lenguaje sonoro

Más allá de su dimensión funcional, Secrets EP nace de un proceso profundamente personal. El trabajo fue desarrollado tras una ruptura emocional, en un momento de reconstrucción donde el entorno cercano jugó un papel fundamental.

“Secrets fue escrito después de una ruptura fuerte, en un momento en el que poco a poco estaba volviendo a encontrarme. Monté mi estudio en el atelier de mi hermana, pasando largas noches haciendo música.”

Durante ese periodo, la producción se convirtió en una forma de canalización emocional:

“El proceso se convirtió en una forma de terapia — emociones y frecuencias salieron a la superficie que no podía expresar con palabras.”

Este contexto se traduce directamente en el carácter del EP. El track de apertura, Secrets, introduce una atmósfera contenida y profunda, construida a partir de un arpegio hipnótico y una progresión paciente que establece el tono del release.

Del peso emocional a la apertura en pista

El segundo corte, XY Paper Planes, desplaza el foco hacia el club sin romper la coherencia del conjunto. Compuesto meses después, refleja un momento más ligero dentro del proceso creativo:

“Paper Planes llegó unos meses después, en mi primer apartamento. Para entonces, las cosas fluían con más facilidad y se sentían más ligeras.”

El resultado es un track con mayor impulso rítmico, donde pads envolventes y un diseño sonoro más abierto generan una sensación de euforia controlada, posicionándolo como uno de los puntos centrales del EP.

 

Espacio, tránsito y tensión en la cara B

En la cara B, Damp The Danger introduce una dimensión más abstracta dentro del EP. A medio camino entre ambient y techno, el track se construye sobre un pulso 4/4 suave y una evolución constante de texturas.

 

 

Su origen responde a un momento específico dentro del recorrido de la artista:

“Damp the Danger fue escrito después de una gira por Europa del Este, en el aeropuerto… dándome cuenta de que de nuevo tenía ganas de volver a casa.”

Este contexto se percibe en la estructura del track, donde el movimiento no responde a la urgencia, sino a una sensación de tránsito y retorno.

 

 

El cierre llega con el remix de Bjarki, que reinterpreta el tema original desde una perspectiva dub y minimalista:

“La reinterpretación de Bjarki enriquece el EP con mayor complejidad y un sentido de narrativa muy particular.”

Secrets EP como documento de transición

En conjunto, Secrets EP funciona como un registro sonoro de transformación personal:

“Con este release comparto un registro sonoro íntimo de una transición personal — desde la densidad con un atisbo de esperanza, hacia un ascenso, y de vuelta a un lugar de calma contenida.”

Más que un debut, el EP se presenta como una pieza coherente donde la narrativa emocional se traduce en decisiones sonoras precisas. Un enfoque que sitúa a Cecilia Tosh como una artista con una voz definida dentro del techno contemporáneo.

Release details — Secrets EP (DND008)

Artist: Cecilia Tosh
Release: Secrets EP
Label: Denude
Catalog: DND008
Release date: 08 May 2026
Format: Vinyl + Digital

 

Mastering: Alexander Kowalski
Design: Eddie Hale
Photography: Valentin Mici
Distribution: Matter of Fact

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Vegim Magnetopause EP

Vegim – Magnetopause EP: El arte de la tensión en el techno balcánico

Vegim – Magnetopause EP : «El arte de la tensión en el techno balcánico»

En una escena saturada de fórmulas rápidas y drops diseñados para el consumo efímero, el productor kosovar afincado en Croacia, Vegim, juega en otra liga. Con su nuevo trabajo Magnetopause, lanzado el pasado 26 de marzo en TMM Records, no hay concesiones ni atajos.

 

Vegim Magnetopause EP

 

Su identidad se ha construido desde la crudeza que define parte del techno balcánico contemporáneo, cercano a corrientes más industriales y mentales del circuito europeo. Eso se percibe desde el primer surco: una narrativa sólida, basada en la tensión, el espacio y un control total del sonido. Este 12” funciona como arma de club, pero también como una pieza de inmersión para quien busca algo más que funcionalidad.

Presión, espacio y el peso de la narrativa

Magnetopause se mueve en una fricción constante, no es techno para pasar el rato. Es una inmersión en la que el espacio entre los sonidos importa tanto como el golpe del bombo.

La cara A inicia el descenso mental con “The Future”, un paisaje de estática y atmósfera donde el groove queda en segundo plano mientras una voz marca un punto de partida hacia lo desconocido. Sin romper ese hilo, “My Thoughts Are Not Facts” entra y la tensión se vuelve física. Es un pulso firme y funcional. El cierre de la cara A llega con “Nothing Could Go Wrong”, más abstracto y contenido, preparando el terreno para lo que viene.

 

En la cara B, aquí es donde el disco muerde. El track homónimo, «Magnetopause», golpea con una presión hipnótica y constante. «Deployable Structures» es pura ingeniería de tensión: aprieta el pecho mientras las texturas se desplazan y desestabilizan el espacio sonoro. En “Look Inside Me”, la energía se repliega hacia un plano más introspectivo, antes de cerrar con “Rendered Speechless”, un final sin concesiones, que deja un eco espacial y al oyente suspendido en un pensamiento infinito.

Textura y control milimétrico

El mastering de Boris actúa como el pegamento invisible del conjunto. Hay pegada y definición, pero sobre todo respeto por lo original que intenta transmitir Vegim. Nada suena sobreprocesado, cada elemento encuentra su sitio sin perder carácter. El artwork de Kobalt sigue esa misma línea, con una estética sobria y futurista que refuerza la identidad del vinilo. 

 

Vegim Magnetopause EP

Un 12” que no negocia su identidad

Magnetopause no es inmediato ni complaciente. Es un trabajo desafiante que exige atención y, a cambio, devuelve puro carácter. Vegim no ha hecho un disco de club; ha diseñado una experiencia de inmersión técnica que te obliga a mirar hacia dentro, y lo que hay ahí, a veces, es tan oscuro como fascinante.

 

Vegim Magnetopause EP

Un disco de arquitecturas complejas que no busca el camino fácil, cuando el eco se apaga, sus frecuencias siguen dentro.

Artist: Vegim
Album: Magnetopause
Label: TMM Recordings
Date on stores: 25.03.2026
Format: Vinyl + digital
Produced by Vegim
Mastering by Boris
Artwork by Kobalt

LINKS

Soundcloud
https://soundcloud.com/tmmr/vegim-magnetopause-ep-ltd075

Bandcamp
https://tmmrecords.bandcamp.com/album/magnetopause

Instagram
https://www.instagram.com/tmm_recordings/
https://www.instagram.com/vegim.hashimi/

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Prophecy Records

Prophecy 07: ingeniería de club en vinilo

Prophecy 07 — ingeniería de club en vinilo

Hurtado y Elias The Prophet firman un release donde cada detalle responde a la lógica de la cabina

Una conexión que precede al sonido

El nuevo lanzamiento de Prophecy Records, Split Grooves EP (Prophecy 07), une a Hurtado y Elias The Prophet en un split de techno en vinilo que nace de una relación artística construida desde 2019 en Berlín, poco después del inicio del sello.

 

Prophecy Records

 

Desde entonces, Hurtado ha sido una referencia constante dentro del radar de Elias como uno de sus productores favoritos en el circuito underground. Este release no surge como una colaboración puntual, sino como la consolidación de una afinidad estética y personal mantenida en el tiempo.

Un split como forma de curaduría

El concepto del EP parte de una estructura clara: un split en vinilo con dos tracks y una intro por artista.

 

Hurtado envió una selección amplia de material, de la cual se eligieron los cortes que mejor encajaban con el universo del sello. A partir de ahí, Elias construyó su parte del disco desde una lógica de equilibrio interno: no como respuesta directa, sino como complemento.

 

 

El resultado no busca fundir identidades, sino hacerlas coexistir. Dos enfoques distintos del techno compartiendo un mismo objeto físico.

Dos perspectivas del techno contemporáneo

En Split Grooves EP conviven dos aproximaciones al techno de club desde ángulos distintos pero complementarios.

 

Hurtado desarrolla un lenguaje de tools con influencia Birmingham old school, donde lo crudo, lo directo y lo funcional construyen tensión sin ornamento. Sus dos tracks se acompañan de una intro de carácter noise, más abstracta y atmosférica.

 

Prophecy Records

 

Elias The Prophet, por su parte, articula el universo de Prophecy Records desde un equilibrio entre lo melódico y lo contundente, con una sensibilidad más narrativa que contrasta con la inmediatez de los tools.

 

El resultado es un disco que no busca homogeneidad, sino contraste controlado.

Forma, proceso y precisión

Más allá del contenido musical, el valor del release reside en su construcción física y su atención al detalle.

 

Desde el mastering de Carlos Koschitzky hasta el corte de lácquer en Schnittstelle Mastering, cada etapa refuerza la intención de traducir el sonido con fidelidad al vinilo.

 

Prophecy Records

 

Incluso decisiones aparentemente menores —como situar las intros al final de cada cara— responden a una lógica de uso real en cabina, optimizando la navegación del DJ en contexto de club.

Choose Your Fighter: memoria y pista

Dentro del conjunto, destaca “Choose Your Fighter” de Hurtado, un track atravesado por samples de un arcade clásico de los años 90.

 

Más allá de su funcionalidad, introduce una capa de memoria cultural dentro del EP, conectando la energía del techno con una referencia generacional que añade profundidad emocional al conjunto del release.

Un disco que se activa en contexto

Split Grooves EP funciona como unidad, pero también como conjunto de piezas independientes que adquieren sentido pleno en contexto.

 

La intención no es imponer una narrativa, sino activar situaciones en la pista. En palabras de Elias, la primera escucha se traduce en una reacción inmediata, casi instintiva, donde el análisis desaparece y queda solo el impacto: “Dios, ¡cómo suena esto!”

Fecha de lanzamiento

Vinilo: 3 marzo
Digital: 18 marzo

 

Bandcamp:
https://prophecyrecs.bandcamp.com/album/split-grooves-ep-prophecy-07

 

Melting Pot Records:
https://www.meltingpot-records.net/producto/split-grooves-ep-prophecy-07/

Tracklist — Split Grooves EP (Prophecy 07)

A Side
A1 — Hurtado – Choose Your Fighter
A2 — Hurtado – Avoiding You
A3 — Hurtado – Catacombs Of Niagara

 

B Side
B1 — Elias The Prophet – Resurrection
B2 — Elias The Prophet – Underdog
B3 — Elias The Prophet – Good Or Evil

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niels orens

Niels Orens – Never Again: introspección sonora entre textura y tensión contenida

Niels Orens – Never Again (OFFC03): introspección sonora entre alienación, textura y tensión contenida

Un lenguaje construido desde el aislamiento

En un contexto donde gran parte de la música electrónica sigue orientada a la inmediatez de la pista, el nuevo EP de Niels Orens propone lo contrario: un espacio donde la tensión no se resuelve, sino que se habita.

 

niels orens 

Never Again (OFFC03), publicado por Off Corner Records, estará disponible el 17 de abril de 2026 en formato digital y vinilo, se sitúa en un territorio donde la narrativa sonora se construye desde la contención, el detalle y una sensibilidad marcada por el aislamiento.

Entre lo acústico y lo electrónico

Orens trabaja en la intersección entre instrumentación acústica y diseño sonoro electrónico inmersivo, desarrollando composiciones que priorizan la atmósfera, el espacio y el peso emocional por encima de estructuras tradicionales.

 

 

Este EP amplía la línea iniciada en slow night/s, pero empuja aún más hacia la fragmentación rítmica y la exploración textural. Breakbeats fracturados, capas distorsionadas y una presión constante en las frecuencias graves conviven con momentos melódicos frágiles que aparecen de forma casi espectral.

 

En ese equilibrio inestable, emergen ecos que pueden recordar a la crudeza emocional de Yves Tumor, la intimidad de Burial o el enfoque exploratorio de James Holden, aunque Never Again mantiene una identidad propia centrada en la tensión sostenida.

Ritmo, espacio y disolución

A lo largo de sus seis tracks —Remaining, Here, too?, Should Feel Bad, Burned Twice, Enemy y Ruin Happens— el EP se desplaza entre momentos de impulso rítmico y estados más suspendidos, donde el tiempo parece diluirse.

 

off records vinyl

 

No hay una progresión evidente hacia un clímax. En su lugar, cada pieza funciona como un fragmento de un mismo estado emocional: una exploración de la desconexión, la repetición y la permanencia dentro de la incomodidad.

Una narrativa sin resolución

“Este EP surge de un periodo de aislamiento y aburrimiento, donde hacer música se convirtió en la única forma de procesarlo todo. Habla de la alienación, de estar completamente solo y de la violencia silenciosa de tus propios pensamientos; pero también de permanecer presente dentro de eso. No trata de resolver nada, sino de permanecer dentro de la incomodidad.”
— Niels Orens

Escucha y pre-order

Never Again estará disponible a partir del 17 de abril de 2026.

Pre-order: https://offcornerrecords.ffm.to/neveragain

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LFO Madrid

LFO Club presenta CICLO: su nuevo formato entre discurso y club

LFO Club presenta CICLO: su nuevo formato entre discurso y club – 28 de marzo, Madrid

Una invitación a repensar cómo se construye la escena

LFO inaugura CICLO su primer ciclo de actividades como un espacio híbrido entre pensamiento y pista, diseñado para abrir conversación en torno a lo que implica construir, sostener y proyectar comunidad dentro de la música electrónica contemporánea.

 

 

Más allá del club, LFO propone un punto de encuentro donde poner en palabras aquello que muchas veces queda fuera del foco: los procesos, las tensiones y los modelos que hacen posible la escena.

Una mesa redonda sobre construir desde fuera

Esta primera edición se articula a través de una mesa redonda que reúne a las personas detrás de tres festivales independientes:

 

RIT/MO Festival – un encuentro en la Sierra Elvira (Granada) que explora la relación entre sonido, paisaje y experiencia colectiva en un formato íntimo.

 

Refractor Festival – proyecto en formato XS impulsado por Organic Signs, que conecta música, narrativa escenográfica y entorno natural a orillas del Tajo (Toledo).

 

Dial Forest – una nueva propuesta que nace en el bosque gallego (Baixa Limia–Serra do Xurés, Ourense), planteando un diálogo entre música electrónica, creación contemporánea y territorio.

 

 

Tres contextos distintos, pero atravesados por una misma pregunta:


¿cómo se construyen festivales fuera de los circuitos tradicionales?

 

La conversación abordará cuestiones clave como la autogestión, los cuidados colectivos, los modelos colaborativos y las fricciones reales de sostener proyectos culturales independientes.

Del discurso a la pista

Tras la mesa redonda, la noche se traslada al formato club, donde ponentes y moderadores ocuparán la cabina para traducir sus discursos en lenguaje sonoro.

 

Un gesto coherente con la propuesta del Ciclo:
pensar la escena, pero también habitarla.

 

LFO Madrid

Una invitación abierta

En un contexto donde se habla constantemente de “escena”, CICLO X CLUB LFO lanza una pregunta directa:


¿cuánto estamos haciendo realmente para sostenerla?

 

El evento se plantea como una invitación a escuchar, cuestionar y participar — tanto desde la reflexión como desde el baile.

 

📍 Date: Saturday, March 28
🕘 Time: 21:00 (talk starts)
🎟️ Free entry – Resident Advisor

 

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house underground

Snaretrade007: grooves de club, humor y una peculiar obsesión culinaria

Snaretrade007: grooves de club, humor y una peculiar obsesión culinaria

El nuevo lanzamiento del sello Snaretrade explora un house minimalista, juguetón y ligeramente extraño, construido para la pista y acompañado por una de las narrativas más singulares del underground.

 

En el universo del house underground, pocos sellos desarrollan una identidad conceptual tan peculiar como Snaretrade, el sello independiente con base en Bruselas, Bélgica. Mientras gran parte de la música de club se limita a funcionar en la pista, el catálogo del label añade un ingrediente inesperado: pequeñas historias, humor y una curiosa relación entre la cultura del club y la comida.

 

house underground

 

Su nueva referencia, SNR007, publicada el 18 de febrero de 2026, continúa esa tradición con un EP que combina grooves hipnóticos, estructuras rítmicas precisas y una narrativa tan extraña como divertida.

 

 

Desde la primera escucha, el disco se mueve en un terreno sonoro envolvente, obstinado y ligeramente sombrío, aunque siempre con un punto juguetón. Las producciones —construidas principalmente a partir de equipos modulares analógicos— aportan una textura orgánica que evita los patrones demasiado rígidos y mantiene los grooves en constante tensión.

Un disco construido para la pista

El lanzamiento nace de un proceso de selección bastante amplio. A principios de 2024, el productor detrás del EP envió al sello una carpeta con cerca de cuarenta tracks que transitaban entre minimal house, electro y cortes más experimentales. A pesar de la diversidad, todos compartían una misma actitud: grooves disciplinados pero con un espíritu lúdico.

 

house underground

 

Entre esas piezas hubo una que destacó desde el principio: “Gliadin”, el tema que abre el EP. Su estructura sigue una lógica interna muy marcada que rebota entre patrones rítmicos precisos, aunque con un punto imprevisible que lo vuelve difícil de descifrar a primera escucha. Esa mezcla de control y caos es precisamente uno de los rasgos más atractivos del disco.

 

El artista responsable del EP aparece acreditado simplemente como K, manteniendo un perfil deliberadamente discreto y dejando que el foco recaiga principalmente en la música.

Tracks destacados de SNR007

“Gliadin”
El tema que abre el EP y que define su identidad desde el primer momento. Un groove hipnótico con una lógica rítmica muy marcada que rebota entre patrones disciplinados y pequeñas irregularidades, creando una tensión constante en la pista.

 

Listen here!

 

“0000”
El interludio conceptual del disco. Este skit incorpora un sample de Peter Griffin de Family Guy, en uno de los guiños humorísticos que forman parte de la narrativa del sello Snaretrade.

 

Listen here!

Humor, comida y cultura club

Uno de los elementos más característicos del catálogo de Snaretrade es su peculiar hilo conceptual. Muchos de los lanzamientos del sello incluyen pequeños skits relacionados con la comida, una idea que parte de una analogía bastante simple: la música house se consume igual que un plato, a través del cuerpo, bailando.

 

 

En este EP, uno de esos interludios utiliza un sample de Peter Griffin de la serie Family Guy, repitiendo que podríamos morir cualquier día y que preocuparse demasiado por lo que comemos no tiene demasiado sentido. Lois Griffin responde con ironía, desmontando su argumento.

 

Detrás de esta broma hay también una historia real: el productor del EP es intolerante al gluten y debe seguir una dieta bastante estricta. Ese detalle terminó inspirando el concepto visual del lanzamiento, cuyo artwork se basa en esculturas realizadas con sal y harina, conectando el disco con la idea de las dietas restrictivas.

 

Club tracks con personalidad

El catálogo de Snaretrade se mueve dentro de los códigos clásicos de la música de club —bombos, hats y grooves alrededor de los 128 bpm— pero siempre introduce pequeños gestos que rompen la previsibilidad.

 

house underground

 

Ese es precisamente el encanto de SNR007: tracks diseñados para el club pero llenos de pequeñas rarezas, detalles que aparecen y desaparecen entre los grooves y que terminan construyendo una identidad sonora propia.

 

El propio sello imagina este disco funcionando especialmente bien en sesiones after-hours, cuando la pista entra en ese punto extraño donde la energía se vuelve más hipnótica y las sonrisas empiezan a tener vida propia.

Vinilo, cultura DJ y acceso global

El proyecto mantiene una relación muy estrecha con el vinilo, un formato que sigue siendo central en su catálogo. Para el sello, escuchar las ondas sonoras grabadas físicamente en un disco sigue teniendo algo especial, una conexión directa con la cultura DJ.

 

house underground

 

Al mismo tiempo, Snaretrade apuesta por mantener sus lanzamientos disponibles digitalmente en plataformas como Bandcamp, permitiendo que la música llegue a oyentes y DJs en lugares donde conseguir vinilos no siempre es fácil.

Una pequeña rareza para el club

Más allá de etiquetas o estilos concretos, SNR007 funciona como una pequeña anomalía dentro del house contemporáneo: música diseñada para la pista pero cargada de detalles inesperados y una narrativa conceptual poco habitual.

 

house underground

 

En un panorama saturado de lanzamientos, esa combinación de groove, humor y personalidad convierte al nuevo EP de Snaretrade en uno de esos discos que no solo funcionan en el club, sino que también dejan una impresión duradera.

 

Release: SNR007
Label: Snaretrade
Release date: 18.02.2026

Pre-order: https://kgliadin.bandcamp.com/album/snaretrade007

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El lanzamiento de vinilo no vende solo: por qué el contexto lo es todo

El lanzamiento de vinilo no vende solo: por qué el contexto lo es todo

El auge del formato físico en la música electrónica

Prensar un disco no es el final del proceso. Es el principio.

 

lanzamiento de un vinilo

 

En los últimos años, el formato físico ha recuperado protagonismo dentro de la música electrónica. Más sellos, más pre-orders, más reediciones. El lanzamiento de vinilo vuelve a ocupar un lugar relevante dentro de la cultura underground.

 

Pero en medio de ese crecimiento hay una pregunta que pocas veces se formula:

 

¿Es suficiente con prensar un vinilo para que exista culturalmente?

Un vinilo es una declaración, no solo un objeto

El vinilo no es solo un objeto. Es una declaración.

 

Implica decidir que un sonido merece ocupar espacio físico. Que merece tiempo. Que merece ser escuchado sin algoritmo de por medio.

 

Obliga a pensar en la relación entre cara A y cara B, en la dinámica, en la secuencia, en el peso del silencio.

 

Pero incluso el mejor lanzamiento en vinilo puede perderse en el ruido si no está acompañado de contexto.

Sin contexto, el vinilo se convierte en fetiche

Un disco necesita historia.
Necesita intención.
Necesita un marco.

 

lanzamiento de un vinilo

 

Un marco que lo sitúe dentro de una conversación más amplia dentro de la cultura del vinilo y la música electrónica.

 

Sin eso, el vinilo corre el riesgo de convertirse en fetiche.
Y el fetiche no construye cultura.

 

La cultura se construye cuando alguien escucha con atención.
Cuando alguien conecta puntos.
Cuando alguien explica por qué ese release importa.

Promoción de vinilo: más allá del pre-order

El valor del formato analógico no está solo en su sonido. Está en el tiempo que exige. En la pausa que propone. En la escucha consciente que activa.

 

Por eso, la promoción de vinilo no debería limitarse a una ficha técnica o a un simple anuncio de pre-order.

 

El ritual no termina cuando el disco sale de fábrica.


Empieza ahí.

Curaduría musical como acto de cuidado

En Basspirit Magazine creemos en esa segunda parte del proceso.

 

En el acompañamiento editorial dentro de cada lanzamiento de vinilo.


En la narrativa que rodea al objeto.


En la curaduría musical como acto de cuidado.

 

Si estás preparando un lanzamiento de vinilo y sientes que tu proyecto merece más que una publicación fugaz, ¡ESCRÍBENOS!: e.moog@basspirit.com

 

Nos interesa construir contexto.


Nos interesa contar historias.


Nos interesa dar espacio a proyectos que respetan el formato analógico y entienden su peso cultural.

 

Porque el vinilo no vende solo.


Pero cuando tiene historia, puede trascender.

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Fanzine Records presenta AUMATRA Vol. 1: El tacto de la hipnosis

Fanzine Records presenta AUMATRA Vol. 1: El tacto de la hipnosis funcional

Fanzine Records continúa consolidando su discurso con AUMATRA Vol. 1. Lejos de ser una simple recopilación, este Various Artists se presenta como un manifiesto de intenciones donde cada detalle cuenta: desde el criterio para elegir a los productores hasta la forma en que las pistas fluyen una tras otra en el plástico, pasando por una identidad visual que no solo acompaña, sino que amplifica el contenido sonoro.  

 

fanzine records

 

Desde el underground gallego, el sello reafirma su apuesta por un techno crudo, hipnótico y sin concesiones, ensamblando cinco visiones distintas que dialogan con coherencia bajo un mismo marco estético.

 

El lanzamiento, programado para el 20 de febrero, estará disponible tanto en digital como en formato físico en Bandcamp. La edición de este 12″ merece una mención aparte: además del negro estándar, se presenta en una cuidada tirada limitada Marble Red/Black, una combinación que eleva el  disco de mero soporte a objeto de deseo.

 

fanzine records

 

Available on Bandcamp 20.02.2026

 

El artwork, firmado por Burgalego, funciona como una extensión visual del sonido: abstracto, directo y de personalidad afilada. Por su parte, la masterización de Human Mastering Studio garantiza ese equilibrio preciso entre presión en graves y detalle en frecuencias altas, asegurando un acabado funcional y contundente en el sistema de sonido.

Cara A: Control, tensión y estructura

La cara A se abre con Gareth Wild – The Box, un corte sobrio y contenido que establece el terreno desde el primer golpe. Es percusivo y denso, sin adornos innecesarios, transmitiendo una sensación de control marcial.

 

 

Le sigue Pyramidal Decode – Cursor, introduciendo una dimensión más cerebral y texturizada, manteniendo una tensión latente que atrapa al oyente sin caer en lo obvio. Hipnosis funcional, dosificada con la maestría a la que nos tiene acostumbrados el artista italiano.

 

Cierra esta cara Michel Lauriola con Never Left, aportando una lectura inmersiva y cargada de matices. El ritmo respira, las capas se entrelazan y la progresión avanza con una elegancia discreta. Funciona como el puente natural entre la intensidad mecánica y la profundidad emocional.

Cara B: Catarsis, sombra y confrontación

Al girar el disco, Mist Gasp – Finale nos recibe con un título que no engaña.  El dúo gallego se desmarca con una estructura rítmica distinta, apoyada en una cadencia galopante que genera un pulso hipnótico y una densidad ritual. Es una energía de empuje constante que no te suelta, diseñada para esos  momentos en los que la pista olvida el reloj, entra en un trance colectivo y la
oscuridad se puede tocar.

 

 

El broche final lo pone Yeiem con Dogmas, sin duda la pieza más introspectiva y mental del conjunto. Es un track que domina el arte de la pausa, donde sus espacios vacíos no son ausencia de sonido, sino una herramienta para amplificar una carga atmosférica sobrecogedora. Un final sobresaliente para un álbum que se siente, desde la primera escucha, como una pieza de colección imprescindible.

 

AUMATRA Vol. 1 es la prueba de que la diversidad no está reñida con la coherencia. Fanzine Records demuestra un criterio exquisito al dar vida a un disco que se siente como un todo orgánico, alejándose de la simple suma de pistas sueltas para ofrecer una historia completa.

 

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Es un lanzamiento con identidad propia, ejecutado con una claridad envidiable y destinado a convertirse en un fijo en la maleta de quienes entienden el techno como una experiencia física y mental. Desde el underground gallego, Fanzine Records no alza la voz: golpea con precisión

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vinyl loopaina

La Geometría Sonora de «Clusters of Noise»

La Geometría Sonora de «Clusters of Noise»

El 2026 no ha hecho más que comenzar y Loopaina ya ha dejado clara su hoja de ruta. Con la referencia [LPR-V006], el sello español presenta «Clusters of Noise», un split en 12 pulgadas que trasciende el formato compartido para convertirse en un manifiesto de ingeniería sónica.

 

vinyl loopaina

 

No es un disco para escuchar de fondo: es música pensada para espacios cerrados, sistemas exigentes y momentos de máxima concentración. Una lección de arquitectura técnica y narrativa techno aplicada directamente a la pista.

 

https://soundcloud.com/loopainarecords/sets/previews-clusters-of-noise-by-oliver-rosemann-carmelo-ponente-lpr-v006?utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

 

En esta entrega, Oliver Rosemann y Carmelo Ponente entablan un diálogo intenso y complementario, redefiniendo los límites del sonido desde una perspectiva hipnótica y profundamente física. La edición llega respaldada por un pedigrí impecable: planchado y distribución a cargo de Triple Vision, con el toque final de Carlos Koschitzky en una masterización milimétrica. El resultado es una pegada analógica contundente, con graves que empujan el aire del club y transitorios que golpean con una claridad quirúrgica.

Cara A: Geometría de las estrellas

El viaje se abre con «Pleiades», donde Oliver Rosemann despliega su habitual maestría para la tensión rítmica. Es un corte que respira: una maquinaria de precisión donde los sintetizadores se comportan como destellos atrapados en un vacío industrial. Refinado y envolvente, posee la aspereza justa para mantener una presión constante sobre el pecho.

 

oliver rosemann

 

Acto seguido, Carmelo Ponente toma el control con «Vega». Aquí el pulso se vuelve denso, de una naturaleza casi sísmica. Ponente diseña un paisaje donde el hipnotismo es el eje vertebrador, utilizando texturas que parecen extraídas de confines remotos para dar vida a un mantra oscuro que invita tanto al trance como a la introspección más profunda.

Cara B: El Espejo de las Identidades

Al explorar el reverso del vinilo, el diálogo alcanza una nueva dimensión. En un ejercicio de respeto mutuo, los autores se sumergen en el imaginario del otro para ofrecer una perspectiva cruzada. El remix de Ponente sobre «Pleiades» dota al original de una musculatura renovada, inyectando una urgencia dinámica que lo convierte en un torrente de energía imparable.

 

carmelo ponente

 

Por su parte, Rosemann reinterpreta «Vega» desde su propio prisma analítico, desnudando la estructura hasta dejar al descubierto los nervios de la composición. Un ejercicio de deconstrucción tan sobrio como eficaz, donde el minimalismo actúa como una fuerza de tracción constante, hipnótica y difícil de esquivar. 

La vertiente digital

La edición digital amplía este ecosistema con dos piezas que reclaman atención propia. «Hydra», de Ponente, se despliega como un diseño sonoro sinuoso y tenso, con movimientos que serpentean bajo la piel. «Hyades», de Rosemann, cierra el círculo con una atmósfera de magnetismo absorbente, ideal para prolongar el viaje cuando el club ya ha quedado atrás, pero el pulso sigue activo.

 

oliver rosemann

 

Este mapa estelar se completa con su envoltorio visual: una inmersiva captura de JDRM en Munduk (Indonesia) que sintetiza la esencia del proyecto. Una noche de oscuridad total bajo un cielo ancestral, donde la escala humana se diluye. La metáfora perfecta para un disco que trabaja en la frontera entre sombra, espacio y precisión extrema.

 

«Clusters of Noise» no es solo uno de los lanzamientos más sólidos de Loopaina hasta la fecha: es un punto de afirmación. Un disco que define con claridad qué tipo de techno quiere defender el sello y hacia dónde se dirige. Rosemann y Ponente no compiten; se tensan, se observan y se refuerzan en un equilibrio que funciona tanto en escucha atenta como en el contexto más físico del club.

 

vinyl loopaina

 

Este 12” no busca complacer ni seguir tendencias. Exige atención, sistema y momento. Precisamente por eso se siente necesario. Un lanzamiento que, a estas alturas del año, ya se posiciona como una referencia dentro del techno hipnótico contemporáneo y confirma que este sello español no solo crece: construye con criterio. Con este lanzamiento, Loopaina se consolida definitivamente como un referente mundial dentro del techno hipnótico actual.

 

Disponible en Bandcamp

 

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Cambiando la tónica de comunicar por un Gin tonic.

 

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«La niebla acecha»: RVDMNTL y el techno como narrativa y atmósfera

«La niebla acecha»: RVDMNTL y el techno como narrativa y atmósfera

La niebla acecha pero también envuelve y transforma

En un panorama donde la electrónica a menudo se mide por la rapidez de los hits y la contundencia de los drops, RVDMNTL se alza como un recordatorio de que el techno puede ser también introspección, textura y narrativa. Su más reciente trabajo, «La niebla acecha», publicado el 1 de diciembre de 2025 bajo su sello Incense Records, está disponible tanto en formato digital como en CD físico, un guiño a quienes valoran la música electrónica como objeto artístico y experiencia sensorial completa.

 

RVDMNTL

Un viaje sonoro entre bruma y atmósfera

El título del álbum no es casual: la “niebla” que acecha actúa como hilo conductor tanto conceptual como auditivo. El álbum cuenta con 16 cortes, tres de ellos remixes de los artistas españoles David Reina, Endplate y PWCCA. Cada track se desarrolla sobre un fondo sonoro que
explora la mente y lo más oculto.

 

«Cadalso» abre el disco con pads expansivos y un bajo profundo que sienta las bases para la intensidad rítmica que sigue.

 

 

Desde «Sentimientos encontrados» hasta «Letanía», RVDMNTL desarrolla diez tracks en los que combina un techno oscuro con elementos melódicos, construyendo un espacio introspectivo.

 

Los tracks se desarrollan de forma progresiva y casi cinematográfica, envolviendo al oyente en un groove sutil y creciente. Todo se conecta en una travesía sonora coherente, donde pausas y transiciones mantienen una atmósfera continua y envolvente. RVDMNTL muestra un techno trabajado con cuidado y atención al detalle.

Reinterpretando la niebla

Tras «Letanía», el álbum se adentra en los remixes de David Reina, Endplate y PWCCA, que ofrecen distintas interpretaciones y aportan un valor añadido al conjunto del álbum.

 

 

David Reina opta por «Letanía», donde intensifica los grooves, llevándolo a un terreno más bailable sin sacrificar la densidad y la atmósfera del tema.

 

 

El remix de «Sentimientos encontrados» de Endplate profundiza en lo hipnótico del tema, añadiendo bajos y percusiones contundentes.

 

 

PWCCA juega con contrastes y texturas ruidosas en «Sensación agridulce», desafiando la percepción del oyente y proponiendo una nueva lectura, donde impone su característico sonido.

 

 

Para cerrar el álbum, RVDMNTL relanza «Plegarias a la noche» y «Noche», poniendo el broche de oro a la experiencia sonora con la misma atmósfera introspectiva que define todo el disco.

 

CD físico: un gesto de colección

La edición en CD refuerza la música como objeto artístico y ritual de escucha, no desde la nostalgia, sino como un recordatorio de que oír música puede ser un acto de atención y contemplación.

 

RVDMNTL

 

RVDMNTL demuestra que el techno puede ser arte, introspección y narrativa. La niebla acecha, sí, pero también envuelve y transforma. Escuchar este álbum es adentrarse en un universo donde el techno se siente y se piensa.

 

Puedes adquirir este álbum en CD a través de Bandcamp.

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