Denude retoma su serie Berlin Sessions con una nueva entrega a cargo de Ray Kajioka y Eddie Hale. Este proyecto verá la luz el próximo 23 de octubre 2026. La serie nació como un formato colaborativo que recoge el intercambio entre artistas del paisaje electrónico berlinés y sus alrededores. Cada disco es el resultado de una pareja distinta y de un proceso propio, a medio camino entre el tiempo compartido en el estudio y el trabajo a distancia.
Un disco forjado entre Berlín y Melbourne
Las primeras ideas de Berlin Sessions II surgieron en el estudio de Kajioka en Berlín. Después, los dos productores las desarrollaron por separado entre Berlín y Melbourne. El resultado equilibra inmediatez y refinamiento: la espontaneidad de la interacción en directo, pulida a lo largo de la distancia.
A lo largo de sus cuatro cortes, el EP trabaja una paleta electro muy concreta: rítmica, texturada y de tono contenido.
Un recorrido por los cuatro tracks
Explorer abre el disco con baterías programadas con precisión, pads en capas y un arpegio espacial que evoluciona sin excesos.
Home cambia de estructura con un ritmo roto de aire two-step. Sus acordes brillantes y su arreglo abierto dejan entrever una influencia Detroit y ponen el foco en el espacio y el sentimiento.
Eleven cierra el EP mirando hacia dentro. Es el tema más lento y meditativo, con un arpegio de aire oriental y una frase de vocoder en bucle que va disolviendo la energía del disco sin perder el movimiento.
Berlin Sessions II documenta un proceso colaborativo definido por la contención, el detalle y una sensibilidad electro compartida. Es un disco creado entre ciudades, pero con una identidad unificada.
Ficha técnica
Artistas: Ray Kajioka & Eddie Hale Sello: Denude Serie: Berlin Sessions (II) Fecha de lanzamiento: 23 de octubre de 2026 Género / estilo: Electro / Detroit Techno Producción: Ray Kajioka & Eddie Hale Mastering: Alexander Kowalski en Damage Studios
10 discos que nos acercan al universo sonoro de IDA
Desde Finlandia hasta Berlín, IDA lleva más de una década construyendo una identidad sonora marcada por su amor por el techno old school, los breaks y el electro, siempre con una fuerte presencia de bajos, subfrecuencias y ritmo.
DJ, productora y responsable del sello Sävy Records, su trayectoria ha pasado por clubes y festivales de diferentes partes de Europa y más allá, desde Berlín y Reino Unido hasta Japón y Uzbekistán. Al frente de Sävy, también ha desarrollado una cuidada selección de música para club, con lanzamientos de artistas como Ryan James Ford, Poly Chain, Slacker o Tracing Xircles, además de su propio EP de debut.
Pero, más allá de etiquetas y géneros, quizá haya una forma más directa de acercarnos a su sonido: descubrir los discos que forman parte de su universo.
Pero en ESTO NO ES UN TOP10 no buscamos hacer rankings.
Le pedimos a IDA que eligiera diez discos que quisiera compartir con nosotros y que nos contara qué significa la música electrónica para ella.
“La música es una vía de expresión emocional para mí. Mi estado de ánimo y lo que escucho cambia constantemente a lo largo del día, y me gusta llevar esa misma dinámica a mis sesiones. Para mí, incorporar un cambio constante representa la vida. Es un recordatorio de que nada permanece estático y de que todo está siempre evolucionando.”
Estos son los diez discos que ha elegido.
01. Immortality — Trigger Mask
“A solid banger.”
Un auténtico temazo.
02. De Sluwe Vos — Repave
“Un disco fantástico de De Sluwe Vos que redescubrí hace un tiempo en mi colección. Todas las canciones son de primera categoría, pero la de la cara B, «Repave», me pone la piel de gallina. Me la imagino como banda sonora de un sueño vívido (¿o una pesadilla?) en el que estoy caminando por un bosque y, de repente, un oso empieza a seguirme.”
03. Mark Ambrose — My Soul, Your Soul
“Un disco magnífico de principio a fin. «E-180», en la cara B, es sin duda mi tema favorito para escuchar tranquilamente en casa.”
04. Biological — Global Access
“Este tema lleva años sonando sin parar en mis sesiones. Es un disco de breakbeat atemporal que nunca me canso de pinchar.”
05. Simulant — Simm City
“Quizá uno de los mejores discos de electro jamás publicados. ¡Súper influyente y de escucha imprescindible!”
Una elección que IDA ha querido destacar especialmente dentro de esta selección.
06. Morphology — Conductive Force
“Un tema fantástico del dúo finlandés de electro Matti Turunen y Michael Diekmann, que han sido una enorme inspiración y fundamentales para dar forma a mi propio sonido.”
La otra cara del EP cuenta además con Carl Finlow bajo su alias Silicon Scally, otra de sus grandes influencias.
“Cada uno de los temas de este EP es pura calidad.”
07. Love Craft — TZ 10
“Excelencia breakbeat con infusión de dub. Un disco que no sabías que necesitabas hasta que lo escuchas.”
08. Pugwash & Probe — Army of Darkness
“¡Un head-bobber apocalíptico! Es prácticamente imposible escuchar este tema sin moverse.”
09. DJ Compufunk — Deep Space Protocol
“Uno de los álbumes más influyentes que he escuchado este año, cortesía del legendario DJ y productor de Osaka DJ Compufunk.”
La elección también está ligada a un viaje reciente a Japón:
“Tuve el enorme placer de visitar su tienda de discos en Osaka durante un viaje reciente a Japón, ¡y este álbum fue una compra inmediata!”
10. 3MB — Die Kosmischen Kuriere
“¡El clásico Juan Atkins! Este disco, de alguna manera, siempre termina entrando en mi rotación como el último tema para cerrar una noche larga.”
ESTO NO ES UN TOP10
Diez discos, pero ninguna clasificación.
Una selección personal de IDA que atraviesa electro, breaks, techno y diferentes formas de entender el ritmo, el bajo y la pista.
Y, sobre todo, una selección que parte de una idea que ella misma resume así:
“Nada permanece estático y todo está siempre evolucionando.”
México, Barcelona y Berlín. Tres ciudades, tres estudios y cuatro artistas mexicanos unidos por décadas de amistad, música y cultura de club. Así nace La Triple Alianza (L3A), un nuevo sello que apuesta por el vinilo como objeto, como herramienta de conexión y, sobre todo, como una forma de reivindicar la música por encima de las tendencias.
Fotografía por Tuek
Su primer lanzamiento, L3AVA01, reúne un track de cada uno de sus cuatro integrantes y llega exclusivamente en vinilo, sin edición digital ni presencia en plataformas de streaming. Un “humilde ejercicio de resistencia”, como ellos mismos lo definen.
Hablamos con Valeria, una de las integrantes del proyecto, sobre las raíces de La Triple Alianza, la cultura del vinilo, la independencia artística y el puente que conecta las escenas de México, Barcelona y Berlín.
El origen
¿Cómo nace La Triple Alianza? ¿Cuál fue la idea, necesidad o inquietud inicial que llevó a los cuatro a crear el sello?
Somos amigos desde hace muchísimo tiempo. Crecimos en barrios aledaños de Ciudad de México, el territorio donde, siglos atrás, diferentes pueblos formaron La Triple Alianza.
De ahí viene el nombre de nuestro proyecto. La alianza histórica entre Tenochtitlán, Texcoco y Tlacopan nos sirve como referencia y como vínculo directo con nuestras raíces.
Hoy, La Triple Alianza conecta tres ciudades y tres estudios: Itzone en México, R.B.S. en Barcelona y Echowoman / Signal Deluxe en Berlín.
Los cuatro llevamos más de veinte años produciendo música y tenemos mucha música que queremos sacar al mundo. Aunque nuestros estilos son diferentes, existe un punto de convergencia y, sobre todo, una actitud compartida.
Así que comenzamos este sello para publicar nuestra propia música y, en el futuro, también la de amigos y colegas.
¿Por qué La Triple Alianza? ¿Qué representa este nombre para vosotros y cómo se relaciona con las tres ciudades y estudios que forman parte del proyecto?
L3A: México — Barcelona — Berlín.
La Triple Alianza somos estas tres entidades, tres estudios, en tres ciudades.
El nombre del proyecto está inspirado en la historia del lugar del que venimos en México y está directamente ligado a nuestra cultura y nuestras raíces.
La Triple Alianza histórica estuvo formada por Tenochtitlán, Texcoco y Tlacopan. Para nosotros, recuperar este nombre también significa establecer una conexión entre nuestro origen y el presente del proyecto.
Un proyecto colectivo
El sello reúne a cuatro artistas mexicanos que trabajan desde México, Barcelona y Berlín. ¿Cómo surgió esta conexión entre vosotros y qué aporta al proyecto el hecho de trabajar desde lugares tan diferentes?
Itzvan, Juan y Jerga son amigos desde la secundaria. Yo los conozco desde hace más de veinte años y siempre hemos trabajado juntos y colaborado en muchos proyectos. Juan es nuestro ingeniero de audio desde siempre.
Ellos incluso tuvieron bandas de rock en los años 90, así que después de tantos proyectos compartidos, crear un sello de vinilo con nuestra música era, de alguna manera, la consecuencia más lógica.
Estas tres ciudades tienen grandes escenas de música electrónica. Estar repartidos entre estas tres localizaciones aporta algo único al proyecto: todo pasa a través del oído y la experiencia de cuatro artistas mexicanos.
Un ejercicio de resistencia
Describís vuestro primer lanzamiento como un “humilde ejercicio de resistencia”. ¿A qué sentís que estáis resistiendo y qué significa para vosotros la resistencia dentro del panorama actual de la música electrónica?
Nuestro primer lanzamiento no incluye texto ni imágenes, y no existe en tiendas digitales ni en servicios de streaming. Estamos apostando todo a la música, al cien por cien.
Lo hacemos a diferencia de unas tendencias en las que, a veces, la imagen parece ser más importante o relevante que la propia música.
Comenzamos nuestro sello sin distribución, haciendo también esa labor a mano y directamente con las tiendas de Berlín, México y Barcelona. Ahora ya contamos con la distribución de Yoyaku, sin tener que sacrificar ni cambiar nuestra estética ni nuestro sonido.
🎧 Si quieres escuchar el release y hacerte con una copia en vinilo, puedes encontrarlo en la tienda de Yoyaku a través del siguiente enlace: Yoyaku Record Store
Fotografía por Tuek
Arte underground y sin compromisos
También habláis de “arte underground y sin compromisos”. ¿Qué significa para vosotros mantener una propuesta artística sin concesiones? ¿Cómo se traduce esto a la hora de dirigir un sello hoy en día?
Hacemos lo que nos gusta sin seguir tendencias y sin comprometer nuestro sonido, sin presiones externas.
Nuestra esencia está formada por la amistad y por décadas de aventuras musicales compartidas.
El vinilo como declaración de intenciones
La cultura del vinilo parece estar en el centro de L3A. ¿Por qué decidisteis que este primer lanzamiento fuera exclusivamente en vinilo, sin edición digital ni streaming? ¿Qué importancia tiene para vosotros el formato físico?
Nuestra conexión, relación y adicción con los discos es profunda y vital.
Itzone y Jerga abrieron la primera tienda de vinilos de Ciudad de México, Groovadelia, en 1996. Jerga creó también uno de los primeros sellos de música electrónica en vinilo de México, Música Mineral, en 2004.
Todos llevamos años editando nuestra música en vinilo. Itzone, Jerga y yo llevamos más de veinte años mezclando exclusivamente en este formato. Nuestra adoración por el vinilo es una parte intrínseca de nuestra relación con el arte del DJ y con la producción musical.
Jerga y yo trabajamos durante tres años en Intakt, una de las primeras plantas de vinilo de Berlín, y actualmente Jerga trabaja en Objects / Yoyaku.
Las tiendas de discos tienen para nosotros un significado y una relevancia profundos dentro de la escena de una ciudad.
La música en formato físico
¿Qué creéis que puede ofrecer el vinilo que los formatos digitales no pueden ofrecer? ¿Hasta qué punto la dimensión física del disco forma parte de la experiencia que queréis construir alrededor de vuestra música?
En este caso, todos tenemos ya uno o dos sellos en formato digital —Blaq Records, Ritmo Rave, Pantamuzik, Zonativa, Dream Dream—, así que la principal idea detrás de L3A siempre ha sido promover el formato en vinilo y todo lo relacionado con la cultura de este importantísimo formato.
Nuestra relación con las tiendas de estas tres ciudades es fundamental para el proyecto. Estos lugares son claves para el desarrollo y la preservación de esta cultura.
También creemos y utilizamos los formatos digitales y entendemos la importancia de plataformas como Bandcamp y la accesibilidad que ofrece el mundo digital.
Creemos que podemos hacer y utilizar los dos formatos.
Fotografía por Tuek
El primer lanzamiento
¿Qué podéis contarnos sobre L3AVA01? ¿Cómo se seleccionaron los cuatro temas? ¿Existía alguna idea o narrativa concreta detrás de reunir estas cuatro piezas en un mismo lanzamiento?
Por ahora, la primera serie de lanzamientos seguirá este mismo formato VA: un track de cada artista, cada uno representando su propio sonido y estilo, sin ningún compromiso.
En el futuro, cuando el sello esté más establecido, seguramente haremos colaboraciones con amigos y colegas. Pero por ahora, esta es la idea principal detrás de L3A.
Cuatro artistas, tres estudios
Cada artista ha trabajado desde un estudio diferente: Itzone en México, R.B.S. en Barcelona, y Echowoman & Signal Deluxe en Berlín. ¿Influyeron de alguna manera estos diferentes entornos y localizaciones en la música o en vuestra forma de trabajar juntos?
Sí. Estas tres ciudades son fundamentales y de suma importancia para L3A.
Cada uno está trabajando y haciendo cosas relevantes dentro de su escena local, y al mismo tiempo estamos colaborando y nutriéndonos de estas tres escenas diferentes.
México — Barcelona — Berlín
Fotografía por Tuek
Son tres ciudades con escenas de música electrónica muy diferentes, pero también con una fuerte cultura underground. ¿Qué conexiones encontráis entre ellas y por qué tenía sentido para vosotros construir un sello que conectara estos tres lugares?
De alguna manera, estas tres ciudades están muy cercanas musicalmente. Hay fiestas, artistas y colectivos de los tres países trabajando y colaborando continuamente.
Definitivamente existe un puente artístico entre estas tres ciudades.
Itzone es un artista importantísimo dentro de la escena mexicana. Juan tiene su estudio de mix y mastering en Barcelona desde hace veinte años y ha trabajado con cientos de artistas de esa ciudad.
Nosotros venimos a tocar a Berlín desde el año 2000 y vivimos aquí desde 2014.
Independencia y control artístico
¿Cuánto peso tiene para vosotros mantener la independencia y el control sobre todo el proceso artístico y físico de cada lanzamiento?
L3A es un proyecto que sale de nuestros corazones. La razón y el motivo principal es mostrar nuestra música al mundo, sin compromisos ni presiones externas.
Treinta años de amistad y el hecho de que cada uno se mantenga fiel a sus principios artísticos hacen que este proyecto sea realmente una labor de amor y un ejercicio de libertad artística.
Y, al mismo tiempo, es una celebración de nuestra amistad y de nuestras raíces mexicanas.
PVC reciclado
Habéis decidido prensar este primer lanzamiento utilizando PVC 100% reciclado. ¿Por qué era importante incorporar esta dimensión sostenible al proyecto y cómo encaja con la filosofía de L3A?
Jerga trabaja en Objects / Yoyaku, así que también estamos involucrados al cien por cien en el proceso de impresión, mastering, cut, galvanizado, distribución, prensa, etc.
Poder imprimir nuestro disco con PVC 100% reciclado es un simple gesto hacia la sostenibilidad y hacia los procesos de reducción de la huella de carbono que están impulsando Objects / Yoyaku y algunas disqueras independientes que buscan minimizar el impacto de esta industria en nuestro planeta.
Fotografía por Tuek
El sonido en vinilo
El disco ha sido masterizado por Ribes Mastering. ¿Qué papel tuvo el proceso de mastering a la hora de trasladar el sonido de los cuatro artistas al formato vinilo?
Juan Ribes es nuestro ingeniero de audio desde hace mucho tiempo, tanto para Echowoman, Itzone como para Signal Deluxe. Como ingeniero de mastering de nuestros sellos y proyectos, después de más de veinte años trabajando juntos, él es el encargado de finalizar y dar los últimos toques a nuestros proyectos.
Nos encanta trabajar con él y somos absolutos fans de su trabajo y de su sonido.
En Objects / Yoyaku también estamos involucrados en todo el proceso del corte, así como en el galvanizado y la creación de los stampers en casa.
El vinilo es nuestra máxima pasión. Estar involucrados en todo el proceso es una parte fundamental de L3A y de nuestra manera de celebrar la importancia y relevancia de este formato hoy en día.
Para nada estamos en contra de los formatos digitales ni de cualquier tipo de expresión artística a través de cualquier medio posible. Creemos fielmente en el poder de la música y en su importancia.
Mantenemos L3A fuera del mundo del streaming simplemente como un ejercicio para invitar a DJs y melómanos a buscar más allá de lo evidente y crear una fuerte sinergia y simbiosis entre los artistas, DJs, tiendas de discos, plantas de discos, distribuidoras y toda la maquinaria que mantiene esta industria viva e independiente.
Lo que viene después
L3AVA01 es el comienzo del proyecto. ¿Qué podemos esperar de La Triple Alianza a partir de ahora? ¿Seguirá el sello conectando artistas, estudios y escenas de diferentes ciudades?
Por ahora estamos terminando el siguiente lanzamiento, L3AVA02, que estará listo este otoño/invierno.
Por el momento, los lanzamientos seguirán este mismo formato VA, con música de estos cuatro proyectos mexicanos.
Una última pregunta
Si alguien coloca el primer disco de La Triple Alianza en un plato sin saber nada sobre el sello, ¿qué os gustaría que entendiera o sintiera durante y después de escucharlo?
Música electrónica hecha por cuatro artistas obsesionados por los breaks, el electro, el techno, el minimal y el house.
ESTO NO ES UN TOP10 es una selección de Rinno que reúne diferentes formas de entender la música electrónica: desde el house y el techno de raíz hasta el dub, el ambient y las aproximaciones más experimentales al formato de club.
No buscamos establecer un ranking, sino poner en común una serie de referencias que, por diferentes motivos, merecen ser escuchadas.
01. FEFE — BODY WEATHER EP
Sello: Danza Nativa Año: 07.08.25
BODY WEATHER presenta cuatro caras diferentes de Fefe, productor/a australiano/a del que todavía conocemos muy poco.
El EP comienza en terrenos de deep techno con Trudd, se vuelve más denso en Bogged Under y cambia de dirección con la psicodelia de Diddy’s Rug. Fire Warden cierra el lanzamiento aumentando la velocidad y llevando el peso dub hacia un terreno más urgente.
Cuatro tracks que funcionan como una primera carta de presentación y que dejan abierta la incógnita sobre qué vendrá después.
02. SEBASTIAN MULLAERT — K-FILES 01
Sello: Kontra Musik Año: 22.09.2016
K-FILES 01 abre una nueva etapa para Sebastian Mullaert junto a Ulf Eriksson, responsable de Kontra Musik. El proyecto parte de una idea sencilla: tomar una misma composición y explorarla desde diferentes perspectivas, convirtiendo cada versión en una lectura distinta de una misma pieza.
En este primer lanzamiento, cuatro interpretaciones se mueven por territorios profundos, dub y espaciales. En lugar de buscar cambios radicales entre versiones, Mullaert trabaja con variaciones de ritmo, textura y atmósfera, dejando que cada una encuentre su propio carácter.
El concepto también reivindica una forma más pausada de relacionarse con la música electrónica. K-Files nace exclusivamente en vinilo y pone el foco en el acto de seleccionar, escuchar y reproducir un disco con atención.
Más que una colección de herramientas para la pista, K-FILES 01 plantea cuatro maneras de entrar en una misma idea sonora.
03. CV313 / MIKE HUCKABY / STEPHEN HITCHELL — OUR LIFE WITH THE WAVE EP
Sello: Echospace Detroit Año: 16.12.2025
Hay algo especialmente significativo en Our Life With The Wave: parte de material que Mike Huckaby y Stephen Hitchell comenzaron a desarrollar en 2008 y que, muchos años después, vuelve a cobrar forma.
El sonido de Huckaby está presente en las secuencias y en el carácter de las wavetables utilizadas en el proyecto, mientras que el universo de Echospace aporta su aproximación al dub y al espacio sonoro.
La referencia se convierte así en algo más que una colaboración: es una forma de mantener activo un lenguaje asociado a una de las figuras fundamentales del Detroit techno.
04. Various — Various Artists 002 / Alt Dub Records
Sello: Alt Dub Records Año: 03.02.2026
La segunda referencia de la Artist Series de Alt/Dub reúne a Forward Memory, Thomas + James, Gradient y Beppu.
Cuatro productores, cuatro aproximaciones. Forward Memory abre con una combinación de percusión y sintetizadores; Thomas + James reducen el espacio hacia una construcción más minimalista; Gradient profundiza en el lenguaje dub que caracteriza su sonido; y Beppu cierra el lanzamiento introduciendo ritmos más quebrados y una mayor sensación de movimiento.
Más que buscar una estética completamente uniforme, el lanzamiento funciona precisamente por el contraste entre sus cuatro propuestas.
05. BEPPU — OBJECTS
Sello: Lempuyang Año: 13.03.2026
Andrew Hargreaves presenta OBJECTS bajo su alias Beppu, llevando a Lempuyang una colección de piezas donde el dub techno aparece tratado desde una perspectiva especialmente detallista.
Las texturas tienen tanto peso como la percusión: capas granuladas, frecuencias cálidas y pequeñas variaciones que hacen que los tracks evolucionen lentamente. El álbum se sitúa cerca de la tradición del techno de Detroit, pero lo hace desde una perspectiva más abstracta y contemplativa.
Un disco que recompensa especialmente la escucha completa, más allá de la lógica de la pista.
06. SATOSHI TOMIIE — 12B DUB PART.3
Sello: Phonogramme Año: 28.04.2026
En 12B DUB PART.3, Satoshi Tomiie trabaja con una paleta reducida pero contundente: bajos profundos, baterías precisas y una producción marcada por el espacio.
El resultado tiene una cualidad especialmente física. Los elementos no compiten entre sí, sino que dejan espacio para que el grave y el ritmo hagan su trabajo.
Una referencia pensada para mezclas largas y para construir tensión sin necesidad de recurrir a cambios bruscos.
07. MARK AMBROSE — MY SOUL, YOUR SOUL
Sello: Rawax Motor City Edition Año original: 1999
Hay referencias que sobreviven a su época porque su lenguaje sigue funcionando.
My Soul, Your Soul, publicado originalmente en 1999, vuelve ahora en forma de reedición. Recuperar este tipo de material también significa volver a poner en circulación una parte de la historia del techno y del house de finales de los noventa.
Una escucha que sirve tanto para revisitar el original como para entender por qué determinados discos terminan convirtiéndose en clásicos.
08. JAVIER SALAZAR — TIDES
Sello: klape nunsen Año: 02.04.2026
TIDES gira alrededor de una idea muy concreta: el movimiento que nunca termina.
Javier Salazar desarrolla sus composiciones como si fueran diferentes momentos de una misma corriente, dejando que las variaciones de intensidad aparezcan progresivamente. El resultado se mueve entre la calma y la tensión sin necesidad de acelerar el tempo.
Un trabajo que encuentra su fuerza precisamente en la continuidad y en la capacidad de crear atmósfera sin perder el pulso.
09. NILS EDTE — COGITAT
Sello: Predawn Records Año: 29.05.2026
En COGITAT, Nils Edte construye un recorrido de diez piezas alrededor del techno profundo, utilizando el dub, la percusión y el tratamiento atmosférico como elementos principales.
El álbum avanza de manera gradual, alternando pasajes más abiertos con otros de mayor densidad rítmica. Semen introduce el viaje desde un lugar ambiental, mientras Nox lo cierra en un registro más oscuro y nocturno.
10. MR. G — GNINTAI EP
Sello: Phoenix G Año: 04.06.2026
Mr. G vuelve a un terreno que conoce bien: el house entendido desde el groove, la repetición y la funcionalidad del ritmo. GNINTAI EP reúne cuatro piezas que mantienen el foco en la pista sin sobrecargar la producción.
Un lanzamiento que apuesta por la esencia del género y por esa clase de tracks que pueden adquirir nuevas lecturas dependiendo de dónde y cómo se pinchen.
ESTO NO ES UN TOP10
Diez referencias, diez aproximaciones distintas.
Algunas recuperan sonidos de décadas anteriores. Otras buscan nuevas formas de trabajar con el espacio, el ritmo o el formato físico. Algunas están pensadas para la pista; otras piden una escucha más pausada.
Del 30 de julio al 2 de agosto de 2026, el bosque de Veggli (Noruega) volverá a convertirse en el escenario de una de las experiencias más singulares de la escena electrónica europea. Lejos del formato tradicional de los grandes festivales, Monument Festival regresa con una propuesta que apuesta por la inmersión, la naturaleza y la comunidad como pilares fundamentales.
Un festival sin jerarquías musicales
La gran novedad de esta edición es una decisión que rompe con la dinámica habitual de la industria: el line-up permanece completamente secreto.
En lugar de convertir a los artistas en el principal reclamo, Monument invita a los asistentes a entregarse a la experiencia desde el primer momento. Cada actuación se convierte en un descubrimiento, eliminando la ansiedad por esperar a determinados headliners y fomentando una conexión más profunda con la música, el entorno y las personas que comparten el festival.
La propuesta busca recordar que un festival no es únicamente una sucesión de nombres en un cartel, sino un espacio para dejarse sorprender durante cuatro días en plena naturaleza.
Naturaleza y respeto por el entorno
Celebrado en los bosques de Veggli, Monument mantiene intacta su filosofía de convivencia con el paisaje que lo rodea.
Con el objetivo de preservar el terreno y permitir que los asistentes puedan caminar descalzos con seguridad, está completamente prohibido acceder al recinto con cualquier objeto de cristal, incluyendo botellas y recipientes de vidrio.
Asimismo, el festival continúa apostando por una política de reducción de residuos. No se servirán bebidas en vasos ni botellas de plástico desechables, por lo que la organización recomienda llevar un vaso o botella reutilizable para consumir durante todo el fin de semana.
Son pequeñas decisiones que forman parte de una visión mucho más amplia: minimizar el impacto ambiental y cuidar un entorno natural que constituye una parte esencial de la identidad del festival.
Una experiencia más allá de la pista de baile
Aunque la música continúa siendo el eje central, Monument vuelve a ampliar su programación con numerosas actividades destinadas al bienestar y al aprendizaje colectivo.
Durante el fin de semana, los asistentes podrán participar en talleres y sesiones relacionadas con:
Meditación
Yoga y trabajo corporal
Instrumentos y exploración musical
Educación y reducción de riesgos en el consumo de drogas.
Estas propuestas convierten al festival en un espacio donde la cultura electrónica convive con el cuidado personal, el intercambio de conocimientos y la creación de comunidad.
Nuevo servicio de taquillas
Como novedad en esta edición, Monument incorpora un servicio de taquillas de alquiler disponible durante todo el festival.
Pensadas para ofrecer mayor comodidad a los asistentes, estas taquillas permiten guardar objetos personales, ropa de recambio, dispositivos electrónicos u otros enseres de forma segura. Además, resultan especialmente útiles para proteger las pertenencias de la lluvia y de las condiciones meteorológicas cambiantes que pueden darse durante el festival, permitiendo disfrutar de la experiencia con mayor tranquilidad.
Visuales cuidadosamente diseñados
La organización recuerda también que no está permitido introducir punteros láser en el recinto.
Esta medida busca preservar la experiencia de todos los asistentes y dejar el apartado visual en manos del equipo del festival, que volverá a ofrecer un cuidado despliegue de iluminación y visuales, uno de los elementos que más contribuyen a crear la atmósfera inmersiva característica de Monument.
Los asistentes que utilicen el servicio oficial de autobuses desde Oslo deberán tener en cuenta un cambio importante respecto a ediciones anteriores.
Las lanzaderas partirán desde la zona exterior de la Oslo Opera House, y la organización recomienda presentarse al menos 30 minutos antes de la hora programada para facilitar el embarque y garantizar una salida puntual.
Una invitación a desconectar
En un momento en el que gran parte de los festivales centran su comunicación en los grandes nombres del cartel, Monument propone exactamente lo contrario: confiar en el proceso, descubrir sin expectativas y dejar que el bosque, la música y la comunidad construyan una experiencia irrepetible.
Durante cuatro días, el tiempo parece detenerse entre árboles, escenarios perfectamente integrados en el paisaje y una programación concebida para que cada persona encuentre su propio recorrido. Más que un festival, Monument vuelve a reivindicar una forma distinta de vivir la cultura electrónica.
Para consultar toda la información sobre Monument Festival 2026, incluyendo horarios, transporte, normativa, servicios y recomendaciones para los asistentes, la organización pone a disposición su página web oficial: festival.mnmt.no.
El dúo napolitano reivindica el valor del formato físico y de la producción basada en hardware con motivo de su participación en el próximo Various Artists de Rebelskin
Durante la última década, Fireground se ha consolidado como una de las propuestas más sólidas y singulares del techno europeo. Formado por el dúo napolitano afincado en Berlín, su sonido transita entre la intensidad más cruda de la pista de baile y una dimensión más profunda y matizada, donde cada elemento está cuidadosamente trabajado para ir más allá de la funcionalidad del club y recompensar una escucha atenta con el paso del tiempo.
Su trayectoria ha estado estrechamente ligada a sellos de referencia como Tresor Records, así como a una filosofía de producción basada en el hardware, la experimentación y una búsqueda constante del detalle sonoro. Lejos de seguir tendencias pasajeras, Fireground ha desarrollado un lenguaje musical propio en el que el ritmo se entiende como materia, el sonido como espacio y la repetición como una herramienta de exploración.
Ahora, el dúo forma parte del nuevo Various Artists de Rebelskin, un proyecto cuidadosamente comisariado que reúne a una cuidada selección de artistas y apuesta por el vinilo como formato de publicación. El lanzamiento verá la luz el próximo 31 de julio, poniendo de relieve, más allá de una simple recopilación, el papel fundamental que siguen desempeñando los sellos independientes como espacios de identidad, comunidad y desarrollo cultural dentro de la escena de la música electrónica underground.
Con motivo de este lanzamiento, Basspirit Magazine habló con Fireground sobre su evolución artística, la influencia de Berlín y Nápoles en su música, el papel del hardware en su proceso creativo, la vigencia del vinilo en 2026 y las razones por las que la exploración sigue siendo el motor que impulsa todo lo que crean.
1. Fireground siempre ha destacado por un enfoque del techno muy físico y detallista. ¿Cómo describiríais vuestra evolución artística hasta el momento actual?
Nuestra evolución artística comenzó mucho antes de Fireground, desde el momento en que empezamos a hacer música juntos. Nunca hemos dejado de escuchar, estudiar y experimentar con nuevas técnicas, por lo que el proyecto siempre ha permanecido en constante movimiento.
Lo que más ha cambiado en los últimos años es nuestra experiencia directa en el club. Después de actuar en directo de forma constante en espacios y situaciones muy diferentes, ahora entendemos mucho mejor cómo el sonido, el ritmo y el detalle se traducen físicamente dentro de una sala. Esa experiencia ha pasado a formar parte de nuestra forma de producir. Ya no imaginamos simplemente cómo podría funcionar la música; lo hemos experimentado frente a públicos muy distintos y a través de diferentes sistemas de sonido.
Al mismo tiempo, nunca queremos que la experiencia se convierta en una fórmula. La evolución tiene que continuar.
2. Vuestra música suele moverse entre la funcionalidad para el club y una experiencia de escucha más profunda. ¿Es algo que buscáis conscientemente durante el proceso creativo?
Nos alegra que la música se perciba de esa manera, pero no es algo que calculemos por completo.
Nuestra música no siempre es funcional en el sentido convencional para un DJ. Algunos temas claramente lo son y, por supuesto, siempre es gratificante escuchar a otro artista pinchar nuestra música, pero la funcionalidad nunca es el único punto de partida.
Nuestro principal objetivo es dar forma a la música de acuerdo con lo que sentimos que es correcto para nosotros, sin eliminar los detalles, las armonías o los cambios que le dan personalidad simplemente para hacerla más fácil de pinchar. Quizá esa tensión sea precisamente lo que permite que los temas funcionen físicamente en un club y, al mismo tiempo, revelen algo más con escuchas repetidas.
También estamos trabajando en mucha música que no está pensada para el club y que formará parte de nuestros futuros LPs.
3. Después de vivir y trabajar durante años en Berlín, ¿qué aspectos de la ciudad siguen inspirándoos como artistas?
Berlín ha cambiado mucho, pero todavía hay pequeños detalles de la vida cotidiana y algo en la energía general de la ciudad que continúa siendo inspirador.
Aquí sigue habiendo muchas personas profundamente comprometidas con la música, el sonido y la cultura. Al mismo tiempo, la ciudad está ahora extremadamente saturada. Hay una cantidad interminable de música, eventos, información e influencias estéticas a tu alrededor.
Por esa razón, vivir hoy en Berlín también te enseña la importancia de saber seleccionar. La inspiración está en todas partes, pero tienes que decidir cuidadosamente qué merece entrar en tu mundo y qué no es más que ruido.
4. Formáis parte del próximo Various Artists de Rebelskin. ¿Cómo surgió vuestra relación con el sello y qué os atrajo del proyecto?
Conocemos personalmente a DAST y, cuando nos propuso participar en la recopilación, nos hizo muy felices formar parte de ella.
También había algo especialmente significativo en contribuir a un proyecto conectado con nuestra ciudad natal. Llevamos muchos años viviendo en Berlín, pero Nápoles sigue formando parte de nuestra base tanto musical como personal. Apoyar un proyecto independiente nacido en el mismo lugar nos pareció algo completamente natural.
5. ¿Qué podéis contarnos sobre el tema que habéis aportado al VA? ¿Había una idea o intención concreta detrás de su creación?
El tema fue creado durante el invierno, como parte de las mismas sesiones con hardware en las que produjimos nuestro último EP para Tresor, Refreshing Part 2. Para nosotros sigue estando vinculado a ese momento concreto.
Durante esas sesiones nos encontramos explorando una energía más introspectiva. El tema mantiene una fuerte presencia rítmica y física, pero aborda esa energía desde una perspectiva ligeramente más profunda e introspectiva.
Originalmente no fue compuesto específicamente para la recopilación, pero cuando Rebelskin lo seleccionó, la conexión resultó completamente natural.
6. ¿En qué cambia vuestro enfoque al trabajar en un Various Artists en comparación con un EP propio?
El nivel de trabajo y atención no cambia. Dedicamos la misma energía a cada tema que decidimos terminar y publicar, independientemente de si aparece en una recopilación o en uno de nuestros propios EPs.
La principal diferencia llega después. En un EP propio somos responsables de crear toda la arquitectura del lanzamiento: elegir qué temas pertenecen al proyecto, decidir su orden y dar forma al recorrido de la energía a lo largo del disco.
En un Various Artists, creamos la mejor pieza posible y después confiamos en que el sello la sitúe dentro de una narrativa curatorial más amplia.
7. Este proyecto se publicará en vinilo. ¿Qué importancia sigue teniendo para vosotros el formato físico en 2026?
Sigue siendo extremadamente importante para nosotros. En primer lugar, porque nosotros mismos somos coleccionistas de discos y entendemos el valor de elegir un objeto, llevarlo a casa y permitir que pase a formar parte de una biblioteca musical personal.
El vinilo exige de forma natural una mayor atención. No puedes conservarlo todo, por lo que te vuelves más selectivo con lo que compras y con aquello que merece ocupar un lugar físico en tu vida. Además, una vez que lo tienes, es mucho más probable que escuches el lanzamiento completo en lugar de tratar una sola pista como otro archivo digital cualquiera.
También sigue siendo un formato económicamente importante para productores y sellos independientes. El streaming ha creado un entorno en el que la música grabada genera muy pocos ingresos directos para los artistas, y muchos sellos tienen dificultades para ofrecer regalías significativas. Un lanzamiento en vinilo bien gestionado todavía puede generar un valor real alrededor de la música y permitir que el artista participe de forma tangible en ese valor.
8. Como artistas y también como oyentes, ¿qué aporta el vinilo a la experiencia musical que seguís considerando imposible de reproducir en otros formatos?
Cuando posees un disco, la música existe físicamente dentro de tu espacio. Se convierte en parte de tu biblioteca, de tus recuerdos y de tu entorno cotidiano.
Comprar un disco también cambia la atención que prestas a la música. Normalmente reflexionas mucho más antes de elegirlo.
Un archivo digital puede reproducir el sonido, pero no puede reproducir toda la relación que estableces con él. Imagina regalarle un disco a alguien y luego imagina enviarle un archivo digital. La información musical puede ser similar, pero el significado emocional del gesto es completamente diferente.
La portada, el peso del disco, el envejecimiento de la funda e incluso las marcas que aparecen con el uso pasan a formar parte de la vida de esa música. Esa sensación de presencia sigue siendo imposible de reproducir completamente en un formato digital.
9. Los sellos independientes siguen desempeñando un papel fundamental dentro de la cultura electrónica underground. ¿Qué valor encontráis hoy en proyectos curatoriales como Rebelskin?
Los sellos independientes siguen siendo esenciales porque pueden crear conexiones culturales que de otro modo no existirían.
Existen muchos sellos consolidados que operan desde ciudades europeas con infraestructuras de música electrónica fuertes y estables. Un proyecto como Rebelskin es importante porque demuestra que una curaduría significativa no tiene por qué surgir únicamente de los centros habituales.
Para nosotros, la conexión con Nápoles hace que esto sea especialmente significativo. La ciudad posee una enorme energía musical, historia y personalidad, pero su escena electrónica no siempre ha contado con el mismo apoyo estructural que ciudades como Berlín, Londres o Ámsterdam.
Un sello puede ayudar a transformar artistas individuales y lanzamientos aislados en un movimiento cultural visible. Eso es mucho más valioso que simplemente poner música en circulación.
10. El trabajo con herramientas físicas suele cambiar la relación entre el artista y el ritmo. ¿Cómo influye el hardware en vuestra forma de pensar y estructurar la música?
Depende mucho de la máquina, porque cada instrumento genera una forma distinta de pensar.
A menudo trabajamos con equipos antiguos que ofrecen mucha menos flexibilidad que el software moderno. Puede haber menos pistas, menos posibilidades de modulación y menos formas de corregir una decisión posteriormente.
Esas limitaciones hacen que cada elección sea mucho más deliberada. Escuchas con más atención antes de cambiar algo porque no existe un historial infinito de ediciones, ni recuperación instantánea y, en ocasiones, ni siquiera un botón para deshacer.
El hardware también fomenta la interacción en lugar de la simple observación. El ritmo se convierte en algo que tocas, empujas, silencias y transformas en tiempo real. Esa relación física influye profundamente tanto en la estructura de nuestras producciones como en nuestras actuaciones en directo.
Este nuevo evento aterriza en Berlín con una visión que reivindica el valor del vinilo, los directos y la curaduría artística, apostando por una experiencia donde la música vuelve a ocupar el lugar protagonista
Este sábado 18 de julio, AMT Berlin acogerá la primera edición de TON:STEIN, una nueva fiesta que nace con una idea clara: recuperar la esencia de la cultura club poniendo la música en el centro de la experiencia. En una escena donde la oferta de eventos es constante y las tendencias cambian a gran velocidad, TON:STEIN apuesta por una curaduría construida desde la identidad artística, el valor del formato y la conexión entre quienes están a ambos lados de la cabina.
Volver a escuchar
La filosofía del proyecto parte de una convicción sencilla: detrás de un set a vinilo o de una actuación en directo existe un recorrido creativo que merece ser escuchado. Horas de búsqueda musical, coleccionismo, experimentación con máquinas y desarrollo de un lenguaje propio forman parte de un proceso que rara vez se percibe desde la pista de baile. TON:STEIN nace precisamente para dar visibilidad a ese recorrido y reivindicar la dimensión artesanal de la música electrónica.
«Queremos volver a poner la música en el centro de atención». Esa idea resume la identidad de una propuesta que entiende el club como un espacio donde artistas, sonido y público construyen conjuntamente una experiencia compartida. Del mismo modo, el proyecto reivindica el papel de una audiencia abierta y comprometida, capaz de completar esa experiencia colectiva a través de la escucha y la conexión con quienes están detrás de la música.
AMT Berlin como punto de partida
Para esta primera edición, TON:STEIN ha elegido AMT Berlin, un espacio cuya arquitectura industrial y sistema de sonido, diseñado por Kirsch Audio, encajan con la visión del evento. Sus dos salas permiten desarrollar una programación amplia sin perder coherencia, favoreciendo un recorrido sonoro que evoluciona de forma natural a lo largo de la noche.
La elección del espacio responde también a la importancia que el proyecto concede al sonido. Un sistema adaptado al entorno y pensado para la escucha permite que la relación entre artistas y público se produzca de forma orgánica, haciendo que la experiencia sea construida conjuntamente por todos los presentes.
Un line-up construido desde la identidad
El cartel reúne a artistas con una marcada identidad musical y una trayectoria consolidada dentro de la escena electrónica. Polar Inertia ofrecerá un live set en el que desplegará su característico universo hipnótico, mientras que Voiski actuará en formato DJ set. La programación se completa con el español BARDO, que ofrecerá un set íntegramente a vinilo de tres horas, además de Nocthiel y el live de NATIF ORCHESTRA.
Todos ellos comparten una misma filosofía: años de búsqueda, investigación y desarrollo artístico que han dado lugar a un lenguaje propio. Desde perspectivas sonoras muy diferentes, cada uno aporta una pieza esencial al viaje musical que propone TON:STEIN.
Más allá del formato
La presencia de dos actuaciones en directo y un largo set exclusivamente en vinilo responde a una decisión consciente. Más allá de los formatos, TON:STEIN reivindica el tiempo, la dedicación y el trabajo que hay detrás de cada proyecto artístico, poniendo en valor formas de actuación que reflejan el proceso creativo de sus protagonistas.
En una época marcada por la inmediatez, la propuesta recupera el valor del proceso: la selección de un disco, la construcción de un live o el desarrollo de una identidad sonora como parte inseparable de la experiencia musical.
Una curaduría frente a las tendencias
En una ciudad como Berlín, donde cada fin de semana conviven decenas de propuestas, TON:STEIN apuesta por una programación basada en el recorrido artístico de cada creador antes que en las tendencias o la popularidad en redes sociales. Su objetivo no es seguir una corriente, sino ofrecer un espacio donde la música vuelva a ocupar el lugar protagonista.
Esa filosofía también se refleja en la manera de entender la cultura club: como un entorno de descubrimiento, intercambio y escucha activa, donde la autenticidad prevalece sobre la inmediatez.
Espacio, sonido y comunidad
Para TON:STEIN, la experiencia de una noche no depende únicamente del cartel. El espacio, el sistema de sonido y el público forman parte de una misma ecuación. Conceptos como la cooperación, la hipnosis colectiva y el sentimiento de comunidad son elementos fundamentales dentro de una propuesta que entiende la pista de baile como un lugar de encuentro y construcción compartida.
Más que asistir a una sucesión de actuaciones, la invitación es a formar parte de una experiencia donde cada elemento contribuye a crear una conexión más profunda entre música, artistas y audiencia.
El comienzo de un nuevo recorrido
Con esta primera edición, TON:STEIN inicia un recorrido que aspira a consolidarse dentro de la escena berlinesa desde una perspectiva claramente definida: ofrecer experiencias donde la autenticidad, la identidad artística y la calidad musical prevalezcan sobre la inmediatez.
El próximo 18 de julio, AMT Berlin abrirá sus puertas a una primera edición concebida para quienes entienden la cultura club como un espacio de descubrimiento, escucha y conexión. Una invitación a formar parte de una experiencia donde la música vuelve a ocupar el lugar que nunca debió perder.
TON:STEIN 📍 AMT Berlin, Berlín 📅 Sábado, 18 de julio
Hay productores que hacen techno para que te olvides de todo en la pista, y luego está PWCCA, que lo usa para meterse directo en tu cabeza y sacudir sus rincones más oscuros. El productor madrileño pertenece indudablemente a la segunda estirpe. Con un sonido hiperdesarrollado que ya ha cosechado el respeto de tótems de la industria como Oscar Mulero, Lewis Fautzi o Surgeon, regresa a la primera línea editorial con Anatomy of Chaos EP, la quinta referencia del sello Tempio Omega.
Estamos ante un 12″ de cuatro cortes que no solo demuestra que el madrileño no baja el listón, sino que lleva su sonido crudo un paso más allá. Son de esos temas oscuros y potentes que te atrapan la cabeza, ideales tanto para perderte bailando con los ojos cerrados como para reventar la pista en el momento más salvaje de la noche.
A1. Anatomy of chaos El corte homónimo y encargado de abrir la cara A se planta con un pulso implacable. PWCCA construye aquí un laberinto de micro-secuencias modulares que reptan sobre un kick masivo y redondo. Es una introducción tensa y oscura que funciona como una declaración de intenciones.
A2. Sanity is a construct Elevando la marcha, este track es puro nervio y desespero controlado. Con un juego de bombos mutables y un groove hiper-acelerado PWCCA parece querer jugar con la cordura del oyente.
B1. The human error Ya en la cara B, bajamos sutilmente las revoluciones de base pero ganamos en pura agresividad analógica. Aquí PWCCA saca a pasear su faceta más cruda a través de un bajo crujiente, texturas rugosas y percusiones metálicas que se retuercen sobre sí mismas.
B2. The thin line Para el broche final, PWCCA nos entrega una herramienta diseñada para dinamitar la pista. «The thin line» destaca por su percusión afilada y unos platos que cortan el aire con violencia. Es un track directo, de ritmo duro y texturas abrasivas que no da tregua al oyente, despidiendo el plástico con una exhibición de fuerza y contundencia sonora.
La edición en vinilo es una auténtica delicia para los que todavía aman el formato físico. El disco se ha planchado en Alemania de la mano de R.A.N.D. Muzik, lo que es garantía de profesionalismo. A esto hay que sumarle el impecable trabajo de Carlos Koschitzky en el mastering, que ha conseguido que cada textura y cada detalle respire y te envuelva por completo. Todo este viaje se remata visualmente con el hipnótico artwork que ha diseñado Kheper, una explosión abstracta de tonos verdes ácidos y negros que te entra por los ojos y te anticipa la oscuridad industrial que te vas a encontrar dentro del disco.
PWCCA vuelve a demostrar por qué es uno de los secretos a voces mejor guardados de la escena underground española. Anatomy of Chaos EP es un trabajo de puro Techno, oscuro y sin concesiones comerciales. Una joya en vinilo diseñada para devorar los mejores soundsystems esta temporada. Imprescindible para los puristas del techno con denominación de origen.
*La versión estándar en vinilo será distribuida a nivel mundial por Triple Vision, mientras que una edición limitada de 50 copias con un póster de 30×30 cm de Kheper estará disponible únicamente en Bandcamp.
Voltaje analógico: GEON redefine el espacio del club con ‘Formotronic’
Hay trabajos que se limitan a sonar y otros que, literalmente, transforman el espacio donde se reproducen. Formotronic, el nuevo EP del productor español GEON para Cygnus Circuit Records (disponible desde el 10 de abril), pertenece a los segundos. Estamos ante cuatro cortes de electro de alto voltaje que huyen de lo efímero para ofrecer una experiencia física, densa y oscura, pensada por y para el vinilo.
Ingeniería analógica en tiempos de algoritmos
En un mercado saturado de lanzamientos digitales que olvidamos a los cinco minutos, GEON apuesta por la permanencia con un ejercicio de electro puro y sin concesiones. Formotronic huye de las modas para centrarse en el cableado, las máquinas y esa distopía controlada que tanto nos gusta. Desde que la aguja toca el plástico, manda el electro de raíz: profundo, mecánico y con un sonido tan denso y puro que casi se puede palpar. Es esa clase de música diseñada para clubes oscuros de techos bajos donde el sonido no se escucha, se padece directamente en el pecho.
Radiografía del surco: Un viaje sin retorno
La experiencia arranca con Bass Protocol, un manifiesto de electro seco y motorizado donde el bajo serpentea para anular cualquier noción del tiempo. Es el pulso ideal para introducirse en Formotronic.
Sin dejarte coger aire, la historia sigue con Blink, con una melodía jugosa e hipnótica. En este punto ya en la cara B aparece Distorted Halo, que se te mete en la cabeza y te deja atrapado en un bucle mental con un juego de capas donde la percusión te marca el paso.
Para cerrar el álbum, el productor nos propone un descenso definitivo con Neural Collapse. Un corte hipnótico y atmosférico que funciona como el broche perfecto para una noche larga o, quién sabe, el comienzo de algo mucho más oscuro.
Un golpe de autoridad en la escena nacional
La evolución de GEON es evidente. Ha sabido destilar sus influencias hasta dar con una firma propia: un sonido que se siente honesto y profundamente técnico. Por su parte, Cygnus Circuit Records se confirma con este segundo vinilo como uno de los sellos nacionales a los que hay que seguir la pista de cerca. Han entendido que lo que importa es la calidad y que el vinilo sigue siendo el sitio donde la música de verdad encuentra su sitio. Formotronic es una pieza de ingeniería que sorprende y te transporta a la vez. Si te gusta el electro que tiene algo que decir, este disco tiene que ser tuyo.
Una edición limitada que une techno, narrativa visual y colaboración artística internacional a través de un objeto físico intervenido a mano.
Un sello nacido desde la interdisciplina
El sello berlinés Expressions presenta un lanzamiento en vinilo: un proyecto colaborativo que conecta música electrónica, narrativa visual y memoria colectiva a través de una edición física limitada concebida como objeto artístico.
Nacido originalmente como una plataforma multidisciplinar vinculada a Pandora Art Gallery, Expressions comenzó ofreciendo un espacio para que artistas pudieran expresarse mediante podcasts, live sets, instalaciones visuales y exposiciones que cruzaban música, performance y arte contemporáneo.
Con el tiempo, esta visión evolucionó hacia la creación de un sello discográfico enfocado en apoyar artistas y preservar una relación más tangible y significativa con la música.
El vinilo como objeto emocional
La decisión de desarrollar este proyecto en vinilo responde a una voluntad clara de reivindicar el formato físico en una era marcada por el consumo rápido y algorítmico de la música digital. Inspirado por la colección de discos de su infancia —entre blues, reggae, boogie y rock psicodélico— el fundador del sello, Marius, describe el vinilo como un objeto profundamente emocional: un espacio donde sonido, materialidad y memoria conviven.
Una colaboración entre identidad y resistencia
El concepto del lanzamiento surgió durante una conversación frente a un DJ set en vinilo: imaginar una bandera palestina girando sobre un plato. A partir de esa imagen comenzó el desarrollo musical y visual junto al artista J.A.S y el colectivo Mazika Records, integrando artistas de Palestina, Jordania, Siria, Egipto y Alemania en una obra que busca amplificar voces atravesadas por el desplazamiento, la identidad y la resistencia cultural.
Techno y World Music como lenguaje narrativo
Musicalmente, el disco explora una fusión entre techno y elementos de world music, concebida tanto como herramienta narrativa dentro de un DJ set como experiencia inmersiva de escucha. Más que una recopilación de tracks, el proyecto propone un recorrido emocional donde ritmo e identidad dialogan constantemente.
Portadas únicas y hechas a mano
El componente visual ocupa un lugar central dentro de la edición. Debido a limitaciones presupuestarias, las portadas originales no pudieron imprimirse industrialmente, lo que llevó al equipo a intervenir manualmente cada copia utilizando esténciles y procesos artesanales desarrollados junto al artista Justesse. Cada portada es única y, al unirse todas, forman una gran composición colectiva.
Simbología, textura y memoria
Las imágenes giran alrededor del Palestine sunbird —símbolo nacional palestino asociado a libertad y resiliencia— y patrones inspirados en la kufiya tradicional. A través de técnicas de decalcomanía y texturas imperfectas, el artwork evita una representación estetizada del conflicto y propone, en cambio, una superficie marcada por huellas, fracturas y memoria.
Una edición limitada como gesto colectivo
Con una tirada limitada de 40 copias, el lanzamiento funciona también como gesto artístico y comunitario: un recordatorio de que incluso desde escalas pequeñas, la música puede seguir siendo un espacio de encuentro, cuidado y acción colectiva.
