Entrevista exclusiva a Feisfois

El Dj y productor asturiano reflexiona sobre su álbum Logistic Lungs, el futuro de Alpheratz Records y su amor por los formatos físicos

Hoy volvemos a Asturias, España, para tener una charla con el productor y DJ Feisfois. Este artista español, influenciado por los primeros sonidos techno de los 90, aprovechó sus primeros ahorros para comprar sus primeros platos y vinilos. Siempre estuvo curioseando con la producción desde sus inicios, pero nunca sin ponerse manos a la obra. En 2021 decidió crear su propio sello, Alpheratz Records, donde publica sus trabajos más personales sin dejar de lado otros trabajos en diversos sellos.

 

 

Hoy nos adentramos en su primera referencia en vinilo para su sello Alpheratz Records, Logistic Lungs, un álbum entre Feisfois y Hugo Rolan, lanzado el 4 de noviembre de 2024. Este vinilo de edición limitada incluye cuatro pistas en su edición física y dos adicionales en la versión digital.

 

Feisfois y Hugo Rolan han creado un álbum que no solo celebra el techno como género, sino que también lo desafía a evolucionar. Sonidos hipnóticos y futuristas sin perder la esencia que estos dos artistas suelen ofrecer. La calidad del sonido en vinilo añade una capa adicional de calidez y autenticidad, haciendo de este un lanzamiento imprescindible para los amantes del techno y los coleccionistas de vinilos por igual.

 

Estos artistas asturianos han conseguido crear un trabajo que no solo invita a la pista de baile, sino que también ofrece una experiencia auditiva rica y envolvente para los oyentes más puristas.

Estamos ante la primera referencia de Alpheratz Records, Logistic Lungs, un álbum en formato vinilo y digital, compartido con el artista español Hugo Rolan. ¿Cómo surgió la colaboración entre vosotros para crear este álbum?

Cuando empezamos con la idea de realizar el vinilo en conjunto, siempre pueden generarse ciertas dudas, pero con Hugo todo es más fácil; hubo predisposición desde el primer momento.

 

 

Desde el día en que le comenté sacar un vinilo en conjunto y, después de llamarme “loco” varias veces por las dificultades del vinilo, accedió amablemente a hacer dos tracks que encajaran en el proyecto.

 

Trabajar con Hugo es muy fácil. Llevamos muchos años haciendo cosas juntos, compartiendo proyectos y pareceres. Siempre es el primero en escuchar mi música. Aunque nunca habíamos lanzado nada juntos, siempre estuvimos muy cercanos. Hay semanas en las que hablamos todos los días y damos un repaso al mundo del techno.

¿Podrías hablarnos sobre la producción y grabación del vinilo?

Este proceso fue un poco diferente de todos los demás. Cuando sabes que se va a planchar en vinilo, es como si tuvieras la sensación de buscar un poco más de lo habitual. En ese momento fue cuando Hugo tomó los mandos y empezó a pasarme trabajos hasta encontrar lo indicado para el vinilo.

Analizando un poco más a fondo el álbum, nos gustaría que nos contaras sobre el concepto y la narrativa que hay detrás de Logistic Lungs.

En la cara A del vinilo nos ofreces re-ediciones de tus tracks Cerastes y Remnant. ¿Qué cambios o mejoras introdujiste en estas re-ediciones?

Logistic Lungs nace, en un principio, para juntar a Hugo, Cándido (otro apasionado de lo nuestro) y a mí, donde hacíamos sesiones los tres juntos. En primer lugar, a vinilos en las famosas Technora y con el colofón de un all night long en Lanna Club. De aquella unión quise quedarme con los buenos recuerdos y tomar el nombre para este vinilo conjunto. Le pusimos un nombre que nos hace mucha ilusión por todo lo que hay detrás (con permiso de nuestro querido Cándido, jajajaja).

 

 

En las reediciones de los tracks Cerastes y Remnant están remezclados, sobre todo, para darles un poco más de cuerpo y también más tiempo. Ambos llevan un minuto más que en la primera edición en digital, principalmente pensado para hacer mezclas más largas.

En la cara B, Hugo Rolán nos presenta Inconsciencia Futura y Experimento Mental. ¿Qué papel juegan sus tracks en la estructura del vinilo?

La idea de incluir a Hugo en el disco estaba clara desde el principio. Su aportación era necesaria para lo que teníamos en mente. Si lo escuchas, hay una parte más dura, que es la cara A, con dos cortes míos. El concepto del vinilo era acabar el disco con sonidos hipnóticos, más “sci-fi”, que es el campo que Hugo domina.

 

 

Escogí estos dos cortes entre todos los que me envió y creo que funcionan muy bien con mis dos tracks. Hacen del disco un buen ejercicio de techno atemporal.

¿Cuál es tu track favorito del álbum?

Cerastes me ha marcado un antes y un después como productor. Por eso, quizás, la necesidad de editarlo físicamente. Ha sido tocado en clubes emblemáticos como Berghain o Tresor en Berlín. Cuando te paras y piensas que hay gente en algún lugar del mundo escuchando tu música, es algo indescriptible.

 

 

¿Cómo ves la evolución del vinilo como formato en la industria musical actual?

Parece que el formato físico vuelve a estar de moda. Personalmente, es algo que me encanta. Mis primeros ahorros fueron para comprarme unos platos, una mesa y unos vinilos. Yo, solo, sin nadie que me influyera, apartado en un pueblucho de Asturias y sin amigos que compartieran este gusto musical tan extraño.

 

Estoy seguro de que el formato vinilo va hacia adelante. Muchos sellos se están uniendo al efecto vinilo y cada vez hay más público en las fiestas con “plásticos”. Me encanta ver a gente joven interesándose por los vinilos, pero como dueño de un sello discográfico, tengo que decir que hay muchas dificultades para compensar los gastos que conlleva su lanzamiento.

 

Este álbum está lanzado en tu propio sello, Alpheratz Records. Sello creado en 2021, donde has ido publicando música tuya de gran calibre, también contando con algunas colaboraciones.

En cuanto a Alpheratz Records, ¿qué te motivó a crear tu propio sello y qué visión tienes para Alpheratz Records?

Lo de crear tu propio sello es una odisea continua. En este caso surgió por las ganas de publicar mis producciones sin ataduras. Llevaba mucho tiempo dándole vueltas a qué hacer y me decidí por crear mi propio sello para no depender de terceros.

 

 

También me he apoyado en amigos como Hugo, en este caso, y Jheal Bashta, con quien comparto la referencia número nueve en digital. Él siempre me ha ayudado desde el primer día y fue clave cuando al inicio no sabía ni por dónde empezar.

 

Alpheratz Records fue creado con la idea de sacar mis producciones sin miedo a no gustar, únicamente apoyándome en la gente de Teorema Estudio para las portadas y el máster de Carlos Koschitzky, quien siempre estuvo dispuesto a mejorar la mezcla y darle su excelente toque de mastering.

 

Me gustaría publicar más música de artistas que llegan a mis oídos, auténticas joyas. Pero no quiero saturar el sello con otros artistas; prefiero ser fiel a los inicios.

¿Cuáles son los próximos planes y lanzamientos que tienes en mente para Alpheratz Records?

Ya que la próxima referencia es la número 10, si todo sale bien, tenemos preparado un Various Artists muy selecto, rodeado de amistades, influencias y gustos personales. Los encargados de poner la música serán A4, David Reina, Hugo Rolan, Whoismarce y un servidor.

 

 

Ya casi lo tenemos todo para enseñar las primeras muestras de este V/A, que estoy seguro no dejará indiferente a nadie.

Como artista, ¿Cómo describirías tu evolución y desarrollo a lo largo de tu carrera?

Interesante pregunta. Feisfois ya es como parte de mí. Todo empezó como un nombre al “tun-tun”, sin ninguna reflexión ni explicación. Ahora, al pensarlo, agradezco todo el camino que ha recorrido este nombre. Doy gracias a Feisfois por darme la oportunidad de conocer a tanta gente que, sin haberme adentrado en el mundo del techno, no habría conocido.

 

La evolución de Feisfois creo que ha sido y seguirá siendo fiel a sus principios inexistentes, jejeje. Siempre sacaré lo que me guste.

En cuanto a tus referentes, ¿Qué artistas han influido más en tu desarrollo profesional y por qué?

Después de tantos años, hay varias influencias muy marcadas. La principal sería Oscar Mulero como DJ y Reeko como productor, evidentemente con sus matices. Oscar me parece insuperable como DJ. Es la perfección en cabina; transmite únicamente con las manos en la mesa. Podría estar mirándolo y escuchándolo durante horas, siempre que el cuerpo aguante.

 

Como productor, Reeko, quizás más el de hace algunos años, ha sido una gran inspiración para mis comienzos.

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Entrevista exclusiva con Tensal

Una charla sobre su evolución, influencias y el futuro del género

1. Tu música parece diseñada para ofrecer una experiencia auditiva única y personal. ¿Qué elementos consideras clave para generar esa conexión íntima con el oyente? ¿Hay algún tipo de emoción o estado de ánimo específico que busques provocar con tu música?

Definitivamente sí, claro que hay elementos que añado o dejo de añadir en mis producciones para intentar generar estados de conciencia favorables, cosas como la hipnosis, la repetición o, en algunos casos, algún tipo de clímax.

 

 

Estos elementos pueden ser sonidos directamente, o bien diversas formas de desarrollo que puedo elegir para generar las emociones que considero convenientes en cada momento.

2. En una era donde el algoritmo domina el consumo musical, ¿cómo mantienes la esencia purista y underground de tu música sin dejar que se diluya por las tendencias? ¿Cómo ves el impacto de las plataformas de streaming en la percepción del techno y la música electrónica más experimental?

Para mí es fácil no dejarme llevar demasiado por las tendencias porque, en realidad, si hablamos de influencias musicales, lo que más influye en mi música es el sonido de los 80 y los 90, con el que crecí. Es la música que me hizo enamorarme de todo esto. Aun así, creo que las tendencias se nutren constantemente de lo que ya se ha hecho. Es cierto que internet y sus plataformas han cambiado por completo los hábitos y las formas de consumo en los últimos años.

 

 

Antes teníamos que salir a buscar información tanto sonora como visual, esto lo hacíamos consiguiendo cintas de casete de actuaciones de DJs en vivo para intercambiarlas por otras, leyendo revistas y escuchando la radio. También podías conseguir información comprando algún disco, pero ese era un recurso que requería mucho esfuerzo conseguir y no estaba al alcance de todo el mundo.

3. ¿Qué papel juegan las máquinas analógicas en tu proceso creativo? ¿Crees que la tecnología digital ha robado parte del alma al sonido techno? ¿Hay alguna máquina o herramienta que consideres esencial para capturar esa esencia del techno que buscas?

Definitivamente el hardware clásico es una herramienta con la que cuento en todas mis producciones de un modo u otro. Efectivamente, como apuntas, creo que cosas como Ableton y otras herramientas han contribuido a la unificación del sonido. Creo que hay demasiadas personas creando un sonido exactamente igual.

 

En mi caso, no he utilizado nunca Ableton para producir, básicamente por esta razón. Casi todo lo que pasa por ahí me suena igual, aunque he de decir que pincho y admiro mucha música hecha de este modo, pero no es lo que quiero para mí. Necesito mantenerme fiel a mis orígenes y a mis métodos si no quiero perder mi esencia. Para mí, mantener un enfoque personal también implica el modo en el que hago las cosas.

 

 

Se podría decir que un sintetizador analógico o analógico-digital es imprescindible en todos mis trabajos.

4. Aunque a menudo se asocia el minimalismo con simplicidad, en tu caso parece reflejar más bien una búsqueda de equilibrio y profundidad en los elementos esenciales. ¿Es esta estética minimalista una decisión consciente, una necesidad técnica o algo que emerge naturalmente en tu música? ¿Cómo defines el concepto de «equilibrio» y «profundidad» en tu música?

Para mí el espacio genera fuerza. Ese vacío entre beats que impulsó el primer techno minimalista, tan reminiscente del clásico dub jamaicano y que impulsó gente como Maurizio, fue una pequeña revolución en mi mente a mediados de los 90. Quizás por eso tengo cierta debilidad por intentar quitar el máximo de elementos posibles en mis producciones, porque con demasiada frecuencia tendemos a incorporar elementos de relleno que no cumplen ninguna función posterior o no resaltan de ningún modo en el desarrollo.

 

 

Pero mantener el equilibrio también es importante para mí, por eso hay veces que añado algún elemento al principio para silenciarlo después, cuando el tema está más avanzado. Quizás todo esto no defina el concepto de profundidad y equilibrio en mi música, pero lo explica, al menos para mí.

5. Tu último lanzamiento se publicó el pasado 6 de diciembre. ¿Qué conceptos o ideas hay detrás de este trabajo? ¿Hay algo que quisiste explorar o expresar que no habías hecho antes? ¿Sientes que este lanzamiento marca una evolución en tu sonido, o es una extensión de lo que has estado trabajando hasta ahora?

Mi último lanzamiento es una colaboración con Vince Watson bajo su aka de techno Amorphic que se llama “Distant Landscapes” y que acaba de salir en Blueprint Records.

 

 

La historia es muy sencilla y el concepto también. Vince me escribió a principios de año para decirme que estaba pensando en arrancar una serie de colaboraciones para impulsar un poco su nuevo proyecto. Yo soy un gran fan suyo desde sus primeros trabajos de techno Detroit en Planet E Communications, R&S Records y otros grandes sellos, así que no dudé en aceptar.

 

Simplemente, él grabó y me envió varios sonidos con los que empezar a trabajar, y yo hice lo mismo. Después de unos meses de trabajo salieron 8 tracks y él propuso enviarle algunos a James Ruskin para su sello Blueprint, y le gustaron mucho, lo cual me pareció genial porque Blueprint es uno de mis sellos favoritos desde su primera referencia y tengo decenas en mi colección. El resto de tracks se los enviamos a Bas Mooy, que también los aceptó y saldrán en Mord a mediados del próximo año. Supongo que todos estamos muy contentos con el resultado.

 

 

Conceptualmente, no es más que el resultado de las transmisiones sónicas realizadas por dos artistas afines, pero de generaciones distintas, que no se conocen personalmente, pero que se admiran y respetan mutuamente. Ahí radica la esencia de estos dos trabajos.

6. ¿Qué máquinas, herramientas o técnicas han sido clave en este nuevo proyecto? ¿Cómo han influido en el carácter de los temas? ¿Ves alguna conexión entre la tecnología que usas y las emociones que buscas transmitir con tu música?

Para este proyecto, básicamente utilicé algunas secuencias que hice con el Waldorf Iridium, el Arturia PolyBrute, el Roland SH-01 y un Access Virus B, además de algunos plugins y algún loop de librerías antiguas de Akai que encontré por casa. Siempre quiero mantener un cierto grado de espiritualidad retro en mi música, y a veces me gusta rebuscar por los cajones o armarios en busca de algún cacharro o muestras antiguas para mezclarlas con plugins actuales. Para mí, los plugins son el mejor y mayor aporte tecnológico del siglo en cuanto a producción.

 

 

En cuanto a Vince, deberías preguntarle a él. Me consta que le gusta combinar elementos como a mí, pero no tengo los detalles.

7. Exium ha sido una parte fundamental de tu trayectoria. ¿Cómo dirías que la evolución de Tensal como proyecto en solitario ha influido en el enfoque sonoro o creativo de Exium?

En el desarrollo de Exium influye todo lo que pasa tanto por mi mente como por la de Valentín. Es evidente que algunos elementos de nuestros proyectos en solitario se filtran ocasionalmente en nuestras producciones conjuntas, al igual que ocurre a la inversa. Al final, somos personas, y por mucho que intentemos disociarlo, son las mismas mentes las que están detrás. Aun así, intentamos mantener el espíritu de Exium lo más independiente posible, y los conceptos a la hora de plantear los temas suelen ser diferentes en su mayoría, aunque algunos, inevitablemente, coincidan. Si te fijas en nuestra discografía, Exium abarca un mundo sonoro mucho más amplio.

 

8. En un contexto donde la música comercial a menudo busca influir en las emociones o estados de ánimo, tu enfoque parece más auténtico y conectado con las frecuencias que impactan a nivel interno. ¿Cómo percibes la relación entre las frecuencias sonoras y la experiencia emocional del oyente, y qué lugar tiene esto en tu proceso creativo?

Mi intención al expresarme está más enfocada en alterar ciertos instintos que, creo, habitan en todo ser humano, que en modificar frecuencias sonoras concretas. Es algo más visceral y menos científico. Sinceramente, creo que la música electrónica, y el techno en particular, remueven nuestros instintos más primarios. Hay algo en la repetición, la hipnosis y el trance sonoro que despierta ciertos grados de consciencia plena, más allá de nuestro propio entendimiento. Por eso, desde tiempos ancestrales, el ser humano tiende a agruparse cada cierto tiempo en rituales ceremoniales de conexión y curación. Antes lo hacía durante horas, rodeado de sonidos repetitivos y percusivos alrededor de un fuego; ahora vamos a los clubes.

9. ¿Qué te llevó a adentrarte en el mundo del techno y cuáles fueron los artistas, movimientos o momentos que marcaron el inicio de tu camino en la música electrónica? ¿Cómo ha evolucionado tu percepción del techno a lo largo de los años?

Personalmente, me adentré muy joven en este mundo, y todo comenzó porque cayó en mis manos una cinta de casete de acid house en 1988. Aunque ya tenía cierto conocimiento e influencia del techno pop de los 80 y de los primeros ecos de la ruta valenciana —porque este tipo de música sonaba en algunas radios convencionales—, al principio, cuando escuchaba esa cinta, no entendía nada: todo me parecía igual. Pero había algo en ella que me empujaba a volver a escucharla una y otra vez, hasta que empecé a apreciar los detalles. Al cabo de unas semanas, ya distinguía todos los tracks y las mezclas. Un mundo nuevo se abrió ante mí. Sin embargo, como solo tenía 11 o 12 años, tuve que esperar un par de años más hasta que pude acceder a un club.

 

 

Lo cierto es que soy afortunado, porque no he conocido otra cultura de ocio nocturno más que esta. La primera vez que pude salir de noche, alrededor del año 91, ya fui a un club de techno, y para entonces llevaba algún tiempo comprando discos. Cuando entré allí, ya no quise conocer nada más. Al principio, fueron razones culturales las que me atraparon, pero después las sociales calaron en mí con fuerza. Eran sitios sin clichés ni estereotipos, donde el mero hecho de estar allí ya te hacía cómplice del resto. Todos éramos aceptados, fuera cual fuera la condición de cada uno.

 

 

Los primeros DJs que seguíamos eran locales de Asturias y pinchaban un poco de todo: EBM, post-punk, techno alemán, trance, acid house, electro, rock gótico, techno de Detroit, house de Chicago… Al principio, aquí se mezclaba un poco de todo.

 

La evolución ha sido curiosa, porque yo creo que no se ha vuelto a crear nada realmente original desde los años 90. Solo se repiten conceptos, y casi siempre de manera errónea. Recuerdo, por ejemplo, que en 1995 arrancamos el año escuchando aún mucho acid trance. Después, durante unos meses, sonó mucho Goa y hard trance, y hacia mitad de año el sonido fue derivando cada vez más hacia el techno, mayoritariamente británico, y cada vez más minimalista. Pasamos por artistas como Dave Clarke, Underworld, Slam y los primeros lanzamientos de Soma, Laurent Garnier y F Communications, The Advent, Cristian Vogel o Neil Landstrumm. Terminamos el año con los primeros discos americanos antiguos de principios de los 90 que comenzaban a llegar desde Submerge, con sellos como UR, Red Planet y Axis. Aunque esos discos ya tenían dos o tres años, aquí nunca habían sonado. Todo esto ocurrió en un solo año.

 

 

Ahora, en cambio, tengo la sensación de que llevo 10 años escuchando el mismo tema. Antes, todo pasaba muy rápido: era mucho más intenso y mejor. Hoy estamos demasiado ocupados viendo o mirando ciertas cosas, y a veces no escuchamos las que realmente son necesarias.

10. Komatssu parece un espacio donde exploras sonidos más atmosféricos y experimentales. ¿Qué te impulsa a trabajar bajo este alias y cómo enriquece tu visión general como productor? ¿Cómo fusionas los elementos más experimentales de Komatssu con el enfoque más estructurado y purista de Tensal?

Komatssu es, para mí, una vía de escape. Es mi proyecto más personal, un refugio donde puedo dar rienda suelta a mi lado más musical. A su vez, es el espacio donde puedo experimentar con total libertad, ya que su carácter es marcadamente atemporal: no se rige por ningún patrón preestablecido, ni técnico ni estético. Supongo que todos los elementos que conforman mi imaginario sonoro terminan formando parte, de una u otra manera, de todo lo que hago. No podría ser de otra forma.

 

11. ¿Qué te gustaría que la gente recordara de Tensal, Exium y Komatssu cuando escuchen tu música dentro de 20 años? ¿Hay algún aspecto específico de tu legado que consideras más importante, como tu innovación, impacto en la escena, o fidelidad a tus principios?

Lo que me gustaría es que, dentro de 20 años, pase lo mismo que sucede ahora cuando la gente escucha lo que hicimos hace 20 años o más: que siga sonando innovador, fresco y honesto, que no se diluya en las modas y permanezca fiel a los estímulos que forman parte de mi universo sonoro. Que continúe emocionando, que mis temas se puedan escuchar en cualquier momento y contexto, y que sigan sonando potentes y futuristas. Me gustaría que todo siguiera igual.

 

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Entrevista exclusiva con Pyramidal Decode

«Compounds»: el debut de PHYR RECORDS en vinilo, una obra maestra del techno

Hoy tenemos el placer de tener una charla con Pyramidal Decode, un productor enfocado en el Techno. Nacido en Italia en 1998, es conocido por su sonido único, caracterizado por percusiones intensas, destellos analógicos, y una atmósfera hipnótica.

 

 

La música de Pyramidal Decode es elogiada por su calidad oscura, dejando su huella en sellos como Axis, Warm Up Recordings, MORD, Semantica, Attic, Dynamic Reflection, Loopaina Records o Nachtstrom Schalllplatten. Remarcando lanzamientos como el álbum Cosmic Paradox en el prestigioso sello Axis Recordings de Jeff Mills, seguido de importantes EPs como Dysfunctional System en Dynamic Reflection y Logical Inference en Warm Up Recordings. Este año también pudimos conocer su vinilo 12″ llamado Isteria, editado en el sello español Loopaina Records.

 

Ahora, se embarca en su nuevo proyecto con la creación de su propio label, PHYR RECORDS.

 

Aprovechando el lanzamiento de la primera referencia en PHYR RECORDS, un álbum en formato Various Artists que cuenta con grandes artistas como Oliver Rosemann, Irazu, Unkle Fon, PWCCA y el propio Pyramidal Decode, exploraremos los detalles detrás del nacimiento de su sello, analizaremos su primera referencia y descubriremos detalles sobre Pyramidal Decode, un artista conocido por su energía implacable, en constante ascenso dentro de la escena electrónica, que sigue dejando huella con su visión única y su creciente impacto en el mundo del Techno.

 

Comencemos por tus principios como artista, ¿Cómo iniciaste tu carrera en la música electrónica y qué te llevó a enfocarte en el Techno?

 

Inicié mi carrera musical a los 12 años, tocando la guitarra y explorando diversos géneros. Fue a través de un amigo, el DJ y productor Rhoowax, que descubrí el sello MINUS de Richie Hawtin. Esto me impulsó a descargar FL Studio y Ableton, donde di mis primeros pasos en la producción de música electrónica.

 

Empezaste muy joven y eso te ha permitido conocer diferentes géneros y artistas, influyendo seguramente en tu creatividad como productor. ¿Qué influencias y que nombres han marcado tu estilo como Pyramidal Decode?

 

El jazz es, sin duda, mi género favorito. Artistas como Thelonious Monk, Joe Anderson y Dave Brubeck han sido cruciales en mi evolución musical.

 

En el ámbito del techno, he sido profundamente influenciado por Oscar Mulero, Rrose, Mike Parker, Reeko y Barker, quienes han dejado una marca significativa en mi estilo.

 

 

¿Cómo definirías la evolución de tu sonido desde que iniciaste hasta ahora?

 

Desde mis inicios, me he comprometido a buscar un sonido más complejo y preciso. Siempre me han fascinado los ritmos contundentes y los sonidos hipnóticos, y con el tiempo he aprendido a integrarlos de manera más efectiva en mi música.

 

En el estudio es donde creas todo tu arte musical, no es corta la lista de grandes sellos que apuestan por tu creatividad, ¿Qué herramientas o equipo son esenciales para ti cuando produces música? Y ¿Cómo te mantienes inspirado a la hora de producir?

 

En cuanto a herramientas decirte que soy un gran aficionado a las máquinas de Elektron; actualmente tengo una Analog Four MK2, un Digitakt, un Machinedrum y un sistema modular pequeño. No obstante, la mayoría de mis producciones se realizan exclusivamente en Ableton Live, utilizando sus dispositivos nativos.

 

Para mantenerme inspirado, me gusta construir nuevos instrumentos con Max for Live y Ableton. Esto me permite crear sonidos y secuencias novedosas que estimulan mi creatividad. Paso mucho tiempo en el estudio, siempre listo para capturar esos destellos de inspiración; hay semanas en las que compongo cinco temas y otras en las que apenas logro un buen kick.

 

Recientemente pudimos escuchar tu vinilo en solitario para el sello español Loopaina Records, «Isteria», un 12″ con cuatro cortes donde pudimos ver tu los sonidos contundentes que creas en el estudio. ¿Es esta la dirección que seguirá Pyramidal Decode?

 

Sí, «Isteria» representa mi estilo y la atmósfera que busco crear con mi música. Mis ritmos contundentes, junto con sonidos hipnóticos y variados, emergen de manera espontánea en este trabajo.

 

 

Estamos ante tu nuevo proyecto, PHYR RECORDS, ¿Qué te motivó a crear tu propio sello discográfico?

 

Siento una gran pasión por la música y la creación. Quería tener la libertad de lanzar mis propias obras y cuidar todos los aspectos de cada lanzamiento.

 

Crear un sello sabemos que no es fácil. Conlleva mucho esfuerzo y dedicación. ¿Cómo fue el proceso de planificación y creación del sello? ¿Qué desafíos enfrentaste en el camino?

 

El proceso de planificación y creación de PHYR RECORDS ha sido bastante fluido, ya que he estado preparándome para este momento durante muchos años. Con más de una década en la música, tengo una visión clara de lo que quiero lograr. Aunque enfrenté algunos desafíos típicos, como la logística de lanzamientos y promoción, mi experiencia me ha permitido abordarlos con confianza.

 

 

¿Cuál es la visión detrás de PHYR RECORDS y cómo planeas diferenciarlo de otros sellos dentro de la escena techno?

 

La visión de PHYR RECORDS es ofrecer una plataforma para sonidos innovadores dentro del techno. Busco diferenciarme mediante la cuidadosa curación de cada lanzamiento, asegurando coherencia estilística y artística.

 

«Compounds» es el primer lanzamiento en vinilo de PHYR RECORDS. ¿Qué significa para ti lanzar este trabajo en formato físico?

 

Es un momento sumamente significativo. Siempre fue un sueño tener mi propio sello y lanzar en formato físico. Para esta ocasión, elegí un vinilo rojo, que simboliza pasión, sangre y fuego, representando la constancia y la fuerza que quiero transmitir.

 

El diseño del vinilo es espectacular, ¿Cómo fue el proceso de creación del arte y diseño del vinilo?

 

El aspecto artístico fue desarrollado por Lazly Bateman y 5599Studio. La tipografía de Lazly y las texturas de 5599 son elementos cruciales para un diseño profesional y atractivo.

 

 

Es un álbum en formato de Varios Artistas para esta primera referencia, ¿Cómo seleccionaste a los productores (PWCCA, Irazu, Unkle Fon, Oliver Rosemann) que forman parte de este álbum?

 

Conozco a PWCCA desde hace tiempo y he colaborado con él a través de su sello Hardtools, lo que me permite valorar su gran producción. Respecto a Oliver Rosemann, siempre he admirado su música, y cuando le pregunté por participar, su respuesta fue inmediata y entusiasta. Unkle Fon es un amigo cercano, ex-manager y el ingeniero de masterización de mi sello. Escuché una demo de un artista talentoso; aunque la idea era interesante, la calidad del sonido y la pre-masterización no eran adecuadas para vinilo. Días después, Manu (Unkle Fon) mencionó algunos nuevos temas que había trabajado con Irazu, y al escuchar «Decálogo», supe que tenía que incluirlo en PHYR.

 

Tu track, “Resistenza” (A1), abre el vinilo. ¿Qué emociones o narrativa intentaste capturar con este tema?

 

«Resistenza» es un tema especial para mí, uno de los que más disfruto. Quería lograr algo que fuera complejo pero estático, duro pero elegante. Es una producción minimalista, compuesta con solo cinco canales.

 

La colaboración entre Irazu y Unkle Fon en “Decálogo” (B1) es potente. ¿Qué te parece especial acerca de esta combinación de artistas y qué aporta su colaboración al lanzamiento?

 

Tanto Dani como Manu son artistas sobresalientes con visiones únicas. La combinación del diseño sonoro de Irazu junto con la habilidad técnica de Unkle Fon crea un resultado distintivo y emocionante.

 

El track “Half Human” de PWCCA (A2) tiene una energía particular. ¿Qué te llamó la atención de esta producción y cómo crees que está pegando en la escena?

 

PWCCA siempre entrega composiciones de alta calidad. Este tema encajó perfectamente en PHYR, con su enfoque minimalista y contundente. Además, ha sido pinchado por Oscar Mulero en el icónico Stone Techno Festival, lo que ha resonado en la escena.

 

Para terminar este magnífico álbum tenemos el track de Oliver Rosemann, “The Truth About Unicorns” (B2). ¿Qué te llevó a incluir este track como cierre del vinilo?

 

El tema de Oliver es muy emotivo y minimalista. La atmósfera que crea resulta ideal para cerrar el primer lanzamiento de mi sello, aportando un toque de elegancia y clase.

 

En términos de sonido, ¿qué buscabas transmitir con la variedad de tracks presentes en «Compounds»? ¿Hay algún concepto unificador detrás del EP?

 

Elegí estos temas para que el vinilo fuera versátil, manteniendo un hilo conductor de minimalismo y fuerza. Quería que cada pieza representara la singularidad de sus artistas, evitando un lanzamiento de cuatro cortes similares.

 

Para mi el vinilo tiene un atractivo especial para los coleccionistas y puristas del techno. ¿Qué te impulsó a lanzar «Compounds» en este formato en lugar de únicamente en digital?

 

Aunque la música digital es útil y accesible, siento que el vinilo posee un valor intrínseco. Representa permanencia y conexión emocional con la música. Por eso, decidí lanzarlo en este formato, que siempre tendrá su lugar en la cultura musical.

 

¿Cómo valoras la situación actual del vinilo en esta escena que tiende cada vez más a lo digital?

 

No considero que el vinilo sea el único formato válido para lanzamientos. Aunque soy un amante del vinilo y he comenzado a pinchar con él, reconozco que el equipo necesario puede ser costoso y poco accesible para las nuevas generaciones. La evolución musical ha cambiado las dinámicas, y hoy en día, la presencia de giradiscos en casa es menos común que hace 30 años.

 

Acepto que hay quienes piensan que solo se puede ofrecer una gran actuación usando platos, pero creo que cada artista debe explorar las herramientas que mejor se adapten a su expresión creativa. Reconozco también que el actual sistema puede ser un desafío para los artistas, ya que la compra de archivos digitales frecuentemente no beneficia al creador. Por eso, creo que adquirir vinilos es una forma valiosa de apoyar el trabajo y la visión artística.

 

Y en cuanto al oyente, ¿Cómo describirías la experiencia de escuchar tracks en vinilo en comparación con una plataforma digital?

 

El vinilo ofrece una calidez y riqueza sonora muy atractivas. Personalmente, aprecio el ritual de escuchar un disco. Sin embargo, reconozco que la calidad digital actual es difícil de superar, especialmente en términos de claridad.

 

Pyramidal Decode continúa desafiando los límites del techno con su pasión y visión innovadora. Con PHYR RECORDS como su nuevo lienzo, está claro que el futuro de este productor será brillante y profundamente influyente en la escena electrónica.

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