Divided Lines: el nuevo lanzamiento de Loopaina Records y su showcase en Bridge_48 (Barcelona, España)

Lakej y Biorc presentan Divided Lines, un lanzamiento en vinilo de 12” a través del sello Loopaina Records. Este vinilo captura la esencia única de ambos artistas, combinando texturas sonoras profundas y envolventes que hacen de cada pista un viaje inmersivo.

A pesar de provenir de contextos geográficos distintos, ambos artistas comparten una visión común dentro de la música.

Lakej, DJ y productor sueco, debutó con el EP Structural Cohesion en Grey Report, el sello de Adriana López, estableciendo una identidad sonora que lo llevó a fundar Solitär. Su estilo se distingue por ritmos complejos, una meticulosa atención al detalle y una atmósfera futurista. Ha lanzado música en Semantica, NON Series, Soma, Mord y, recientemente, en Loopaina Records.

Biorc, DJ y productor madrileño, es dueño junto a su socio Isgang de Ethnic Meeting y Null Warp Recordings. Con dos álbumes y diez EPs, ha publicado en Newrhythmic Recs, Illegal Alien, Loopaina Records y Diffuse Reality, entre otros. Su techno oscuro e hipnótico, con un diseño sonoro preciso y mezclas inmersivas, lo ha consolidado como una figura emergente de la escena underground.

JDRM: Presentáis Divided Lines, un lanzamiento en vinilo de 12” que incluye dos temas originales y dos remixes. La versión digital también cuenta con dos pistas adicionales. No es común ver lanzamientos en vinilo estructurados de esta manera, como un esfuerzo colaborativo entre dos artistas. ¿Cómo surgió la idea de trabajar juntos para este lanzamiento?

Biorc: En este caso, fue el propio sello Loopaina Records el que nos hizo la propuesta. Para mí, Lakej ya era un artista muy inspirador, por lo que acepté sin pensármelo.

Lakej: Yo no tuve ninguna duda, quería ser parte de esto. Biorc es un artista al que he estado siguiendo y su trabajo me ha impresionado cada vez más.

JDRM: En una colaboración como esta, es natural que surjan diferencias. ¿Cómo las resuelven para asegurarse de que el resultado final refleje la visión de ambos?

Lakej: Nunca hubo ningún problema. Confío en el trabajo de Biorc y quiero que sus ideas brillen en su remix. En cuanto a mi remix de su pista, todo surgió bastante rápido, ya que me envió unos stems realmente buenos con los que trabajar.

Biorc: En mi caso, he tenido en todo momento presente mantener mi sonido pero respetando gran parte del material que recibí de Lakej. De esta manera, es más fácil mantener una línea sólida para trabajar el conjunto. Por otro lado, en el momento de saber que íbamos a colaborar juntos en el disco, nos pusimos en contacto para mandarnos diferentes opciones y propuestas por ambas partes para conformar el resultado final.

JDRM: Lakej, en el Lado A nos presentas «Readjustment», con una estructura rítmica sólida y una atmósfera envolvente. En el Lado B, remezclas «Null Particle» de Biorc, añadiendo más intensidad rítmica y enriqueciendo su textura sonora.

Biorc, en la cara A presentas «Null Particle», una pieza minimalista con una línea de bajo evolutiva y sutiles elementos melódicos. En la cara B, reinterpretas «Readjustment» con ritmos más complejos y capas adicionales.

¿Qué nos podéis contar sobre el proceso creativo de vuestro aporte?

Lakej: Yo me dedico a probar cosas y experimento con el procesamiento en Ableton. Cuando algo empieza a sonar interesante, trato de construir el resto de la pista en torno a esa idea.

https://soundcloud.com/loopainarecords/a1-lakej-readjustment-2?si=c4184e10d8ff4e90b2151d85a782594a&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

Biorc: En cuanto a «Null Particle», lo primero que grabé fue esa línea aguda que se repite durante toda la pista. A partir de ahí, fui construyendo el resto de elementos, como las atmósferas que aparecen en el fondo o el low end. Con «Readjustment» opté por trabajar de la misma manera: comencé por modificar un poco el bassline del track de Lakej añadiendo capas extra, y luego construí el resto de elementos que lo rodean. Además, como «Null Particle» es tan lineal y mental, en el remix quise ser un poco más rítmico y aportar un poco de movimiento.

https://soundcloud.com/loopainarecords/a2-biorc-null-particle-3?si=ed01c2b40b6d4135bbb7fa9d36cb21ec&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

JDRM: ¿Qué esperáis que los oyentes experimenten al escuchar «Divided Lines»?

Biorc: Pues yo creo que el propio nombre del disco responde a la pregunta. Lo que el oyente puede escuchar son dos líneas claras de sonido que confluyen en un mismo trabajo.

Lakej: Espero que sientan la energía de este EP y que los temas funcionen bien en la pista de baile.

JDRM: ¿Cuáles fueron vuestras primeras influencias musicales que os llevaron a convertiros en productores?

Lakej: Hubo muchas influencias que me introdujeron en la producción, pero una de las más importantes fue la atracción por el hardware, especialmente el eurorack. Desde entonces, he ido trabajando más dentro del entorno digital, pero el hardware sigue siendo una gran fuente de inspiración y experimentación para mí.

Biorc: Para mí han sido muchos los artistas, sellos y productores que me han influenciado. Mi influencia se enfoca mucho en artistas consagrados pero también en el techno más actual.

JDRM: ¿Cómo veis la opción de lanzar música en vinilo en una era dominada por los formatos digitales?

Biorc: Es una oportunidad brutal. El hecho de tener editado un trabajo en vinilo hace que, para mí, el disco sea muy especial, además de que es mi primer lanzamiento en físico. Hoy en día, toda la música se consume muy rápido: lanzas un EP y enseguida parece que ha pasado a un segundo plano… Sin embargo, al hacerlo en vinilo, me da la sensación de que el trabajo perdurará mucho más, tiene más peso.

https://soundcloud.com/loopainarecords/b1-lakej-readjustment-biorc-2?si=6036da25c55347aaa789f0181363d71b&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

Lakej: Publicar en vinilo es algo realmente especial hoy en día. Supongo que es una visión algo materialista, pero como el proceso de hacer música es tan abstracto, tener un 12” con tu creación en él le da un significado especial.

https://soundcloud.com/loopainarecords/b2-biorc-null-particle-lakej-2?si=8745603b7611466a96e1d6202f52faf5&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

JDRM: El próximo sábado 15 de febrero, Loopaina Records celebrará su tercer aniversario en Bridge_48, Barcelona. Este será el evento de presentación oficial de «Divided Lines», y compartiréis cabina con los artistas STNDRD y Drucal.

¿Qué significa para vosotros formar parte de este evento?

Biorc: Es algo muy especial. Poder formar parte de todo este lanzamiento ya lo ha sido desde el principio, pero ponerle broche final con este evento es emocionante. Muchas ganas de estar por allí con los chicos de Loopaina, Lakej, STNDRD, Drucal y, por supuesto, toda la gente que se pase por el evento para estar con nosotros.

Lakej: Para mí, ser invitado a este showcase es genial. Estoy muy emocionado por ver a todos y reencontrarme con muchos amigos en Barcelona. La conexión personal a través de la música es lo que más disfruto. Estoy planeando algo especial e incluiré algunas joyas inéditas directamente desde el estudio.

JDRM: ¿Qué proyectos futuros tenéis en mente? ¿Y qué consejo daríais a los productores emergentes que buscan encontrar su propio sonido?

Lakej: Hay muchos proyectos en camino para todo el 2025, incluyendo mi propio sello, Solitär, así que en términos de producción será un año muy emocionante para mí.

Mi consejo para productores emergentes es que confíen en su gusto y trabajen hasta que algo les suene bien. La clave es disfrutar el proceso, porque cuando lo haces, el resultado importa menos y la creatividad fluye mejor.

Biorc: En los próximos meses lanzaré música en Selected Records y Retórica, participaré en algunos VAs y estoy trabajando en un nuevo LP para este año.

Como consejo, diría que para encontrar su propio sonido recomiendo no apresurarse, experimentar con las herramientas disponibles y disfrutar el proceso.

También quiero agradecer a Loopaina Records por su gran trabajo en el lanzamiento, la comunicación y el esfuerzo. Ha sido un placer formar parte de esto.

Visita el siguiente enlace para saber más sobre el showcase – Resident Advisor

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Entrevista exclusiva a Feisfois

El Dj y productor asturiano reflexiona sobre su álbum Logistic Lungs, el futuro de Alpheratz Records y su amor por los formatos físicos

Hoy volvemos a Asturias, España, para tener una charla con el productor y DJ Feisfois. Este artista español, influenciado por los primeros sonidos techno de los 90, aprovechó sus primeros ahorros para comprar sus primeros platos y vinilos. Siempre estuvo curioseando con la producción desde sus inicios, pero nunca sin ponerse manos a la obra. En 2021 decidió crear su propio sello, Alpheratz Records, donde publica sus trabajos más personales sin dejar de lado otros trabajos en diversos sellos.

 

 

Hoy nos adentramos en su primera referencia en vinilo para su sello Alpheratz Records, Logistic Lungs, un álbum entre Feisfois y Hugo Rolan, lanzado el 4 de noviembre de 2024. Este vinilo de edición limitada incluye cuatro pistas en su edición física y dos adicionales en la versión digital.

 

Feisfois y Hugo Rolan han creado un álbum que no solo celebra el techno como género, sino que también lo desafía a evolucionar. Sonidos hipnóticos y futuristas sin perder la esencia que estos dos artistas suelen ofrecer. La calidad del sonido en vinilo añade una capa adicional de calidez y autenticidad, haciendo de este un lanzamiento imprescindible para los amantes del techno y los coleccionistas de vinilos por igual.

 

Estos artistas asturianos han conseguido crear un trabajo que no solo invita a la pista de baile, sino que también ofrece una experiencia auditiva rica y envolvente para los oyentes más puristas.

Estamos ante la primera referencia de Alpheratz Records, Logistic Lungs, un álbum en formato vinilo y digital, compartido con el artista español Hugo Rolan. ¿Cómo surgió la colaboración entre vosotros para crear este álbum?

Cuando empezamos con la idea de realizar el vinilo en conjunto, siempre pueden generarse ciertas dudas, pero con Hugo todo es más fácil; hubo predisposición desde el primer momento.

 

 

Desde el día en que le comenté sacar un vinilo en conjunto y, después de llamarme “loco” varias veces por las dificultades del vinilo, accedió amablemente a hacer dos tracks que encajaran en el proyecto.

 

Trabajar con Hugo es muy fácil. Llevamos muchos años haciendo cosas juntos, compartiendo proyectos y pareceres. Siempre es el primero en escuchar mi música. Aunque nunca habíamos lanzado nada juntos, siempre estuvimos muy cercanos. Hay semanas en las que hablamos todos los días y damos un repaso al mundo del techno.

¿Podrías hablarnos sobre la producción y grabación del vinilo?

Este proceso fue un poco diferente de todos los demás. Cuando sabes que se va a planchar en vinilo, es como si tuvieras la sensación de buscar un poco más de lo habitual. En ese momento fue cuando Hugo tomó los mandos y empezó a pasarme trabajos hasta encontrar lo indicado para el vinilo.

Analizando un poco más a fondo el álbum, nos gustaría que nos contaras sobre el concepto y la narrativa que hay detrás de Logistic Lungs.

En la cara A del vinilo nos ofreces re-ediciones de tus tracks Cerastes y Remnant. ¿Qué cambios o mejoras introdujiste en estas re-ediciones?

Logistic Lungs nace, en un principio, para juntar a Hugo, Cándido (otro apasionado de lo nuestro) y a mí, donde hacíamos sesiones los tres juntos. En primer lugar, a vinilos en las famosas Technora y con el colofón de un all night long en Lanna Club. De aquella unión quise quedarme con los buenos recuerdos y tomar el nombre para este vinilo conjunto. Le pusimos un nombre que nos hace mucha ilusión por todo lo que hay detrás (con permiso de nuestro querido Cándido, jajajaja).

 

 

En las reediciones de los tracks Cerastes y Remnant están remezclados, sobre todo, para darles un poco más de cuerpo y también más tiempo. Ambos llevan un minuto más que en la primera edición en digital, principalmente pensado para hacer mezclas más largas.

En la cara B, Hugo Rolán nos presenta Inconsciencia Futura y Experimento Mental. ¿Qué papel juegan sus tracks en la estructura del vinilo?

La idea de incluir a Hugo en el disco estaba clara desde el principio. Su aportación era necesaria para lo que teníamos en mente. Si lo escuchas, hay una parte más dura, que es la cara A, con dos cortes míos. El concepto del vinilo era acabar el disco con sonidos hipnóticos, más “sci-fi”, que es el campo que Hugo domina.

 

 

Escogí estos dos cortes entre todos los que me envió y creo que funcionan muy bien con mis dos tracks. Hacen del disco un buen ejercicio de techno atemporal.

¿Cuál es tu track favorito del álbum?

Cerastes me ha marcado un antes y un después como productor. Por eso, quizás, la necesidad de editarlo físicamente. Ha sido tocado en clubes emblemáticos como Berghain o Tresor en Berlín. Cuando te paras y piensas que hay gente en algún lugar del mundo escuchando tu música, es algo indescriptible.

 

 

¿Cómo ves la evolución del vinilo como formato en la industria musical actual?

Parece que el formato físico vuelve a estar de moda. Personalmente, es algo que me encanta. Mis primeros ahorros fueron para comprarme unos platos, una mesa y unos vinilos. Yo, solo, sin nadie que me influyera, apartado en un pueblucho de Asturias y sin amigos que compartieran este gusto musical tan extraño.

 

Estoy seguro de que el formato vinilo va hacia adelante. Muchos sellos se están uniendo al efecto vinilo y cada vez hay más público en las fiestas con “plásticos”. Me encanta ver a gente joven interesándose por los vinilos, pero como dueño de un sello discográfico, tengo que decir que hay muchas dificultades para compensar los gastos que conlleva su lanzamiento.

 

Este álbum está lanzado en tu propio sello, Alpheratz Records. Sello creado en 2021, donde has ido publicando música tuya de gran calibre, también contando con algunas colaboraciones.

En cuanto a Alpheratz Records, ¿qué te motivó a crear tu propio sello y qué visión tienes para Alpheratz Records?

Lo de crear tu propio sello es una odisea continua. En este caso surgió por las ganas de publicar mis producciones sin ataduras. Llevaba mucho tiempo dándole vueltas a qué hacer y me decidí por crear mi propio sello para no depender de terceros.

 

 

También me he apoyado en amigos como Hugo, en este caso, y Jheal Bashta, con quien comparto la referencia número nueve en digital. Él siempre me ha ayudado desde el primer día y fue clave cuando al inicio no sabía ni por dónde empezar.

 

Alpheratz Records fue creado con la idea de sacar mis producciones sin miedo a no gustar, únicamente apoyándome en la gente de Teorema Estudio para las portadas y el máster de Carlos Koschitzky, quien siempre estuvo dispuesto a mejorar la mezcla y darle su excelente toque de mastering.

 

Me gustaría publicar más música de artistas que llegan a mis oídos, auténticas joyas. Pero no quiero saturar el sello con otros artistas; prefiero ser fiel a los inicios.

¿Cuáles son los próximos planes y lanzamientos que tienes en mente para Alpheratz Records?

Ya que la próxima referencia es la número 10, si todo sale bien, tenemos preparado un Various Artists muy selecto, rodeado de amistades, influencias y gustos personales. Los encargados de poner la música serán A4, David Reina, Hugo Rolan, Whoismarce y un servidor.

 

 

Ya casi lo tenemos todo para enseñar las primeras muestras de este V/A, que estoy seguro no dejará indiferente a nadie.

Como artista, ¿Cómo describirías tu evolución y desarrollo a lo largo de tu carrera?

Interesante pregunta. Feisfois ya es como parte de mí. Todo empezó como un nombre al “tun-tun”, sin ninguna reflexión ni explicación. Ahora, al pensarlo, agradezco todo el camino que ha recorrido este nombre. Doy gracias a Feisfois por darme la oportunidad de conocer a tanta gente que, sin haberme adentrado en el mundo del techno, no habría conocido.

 

La evolución de Feisfois creo que ha sido y seguirá siendo fiel a sus principios inexistentes, jejeje. Siempre sacaré lo que me guste.

En cuanto a tus referentes, ¿Qué artistas han influido más en tu desarrollo profesional y por qué?

Después de tantos años, hay varias influencias muy marcadas. La principal sería Oscar Mulero como DJ y Reeko como productor, evidentemente con sus matices. Oscar me parece insuperable como DJ. Es la perfección en cabina; transmite únicamente con las manos en la mesa. Podría estar mirándolo y escuchándolo durante horas, siempre que el cuerpo aguante.

 

Como productor, Reeko, quizás más el de hace algunos años, ha sido una gran inspiración para mis comienzos.

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Entrevista exclusiva con Tensal

Una charla sobre su evolución, influencias y el futuro del género

1. Tu música parece diseñada para ofrecer una experiencia auditiva única y personal. ¿Qué elementos consideras clave para generar esa conexión íntima con el oyente? ¿Hay algún tipo de emoción o estado de ánimo específico que busques provocar con tu música?

Definitivamente sí, claro que hay elementos que añado o dejo de añadir en mis producciones para intentar generar estados de conciencia favorables, cosas como la hipnosis, la repetición o, en algunos casos, algún tipo de clímax.

 

 

Estos elementos pueden ser sonidos directamente, o bien diversas formas de desarrollo que puedo elegir para generar las emociones que considero convenientes en cada momento.

2. En una era donde el algoritmo domina el consumo musical, ¿cómo mantienes la esencia purista y underground de tu música sin dejar que se diluya por las tendencias? ¿Cómo ves el impacto de las plataformas de streaming en la percepción del techno y la música electrónica más experimental?

Para mí es fácil no dejarme llevar demasiado por las tendencias porque, en realidad, si hablamos de influencias musicales, lo que más influye en mi música es el sonido de los 80 y los 90, con el que crecí. Es la música que me hizo enamorarme de todo esto. Aun así, creo que las tendencias se nutren constantemente de lo que ya se ha hecho. Es cierto que internet y sus plataformas han cambiado por completo los hábitos y las formas de consumo en los últimos años.

 

 

Antes teníamos que salir a buscar información tanto sonora como visual, esto lo hacíamos consiguiendo cintas de casete de actuaciones de DJs en vivo para intercambiarlas por otras, leyendo revistas y escuchando la radio. También podías conseguir información comprando algún disco, pero ese era un recurso que requería mucho esfuerzo conseguir y no estaba al alcance de todo el mundo.

3. ¿Qué papel juegan las máquinas analógicas en tu proceso creativo? ¿Crees que la tecnología digital ha robado parte del alma al sonido techno? ¿Hay alguna máquina o herramienta que consideres esencial para capturar esa esencia del techno que buscas?

Definitivamente el hardware clásico es una herramienta con la que cuento en todas mis producciones de un modo u otro. Efectivamente, como apuntas, creo que cosas como Ableton y otras herramientas han contribuido a la unificación del sonido. Creo que hay demasiadas personas creando un sonido exactamente igual.

 

En mi caso, no he utilizado nunca Ableton para producir, básicamente por esta razón. Casi todo lo que pasa por ahí me suena igual, aunque he de decir que pincho y admiro mucha música hecha de este modo, pero no es lo que quiero para mí. Necesito mantenerme fiel a mis orígenes y a mis métodos si no quiero perder mi esencia. Para mí, mantener un enfoque personal también implica el modo en el que hago las cosas.

 

 

Se podría decir que un sintetizador analógico o analógico-digital es imprescindible en todos mis trabajos.

4. Aunque a menudo se asocia el minimalismo con simplicidad, en tu caso parece reflejar más bien una búsqueda de equilibrio y profundidad en los elementos esenciales. ¿Es esta estética minimalista una decisión consciente, una necesidad técnica o algo que emerge naturalmente en tu música? ¿Cómo defines el concepto de «equilibrio» y «profundidad» en tu música?

Para mí el espacio genera fuerza. Ese vacío entre beats que impulsó el primer techno minimalista, tan reminiscente del clásico dub jamaicano y que impulsó gente como Maurizio, fue una pequeña revolución en mi mente a mediados de los 90. Quizás por eso tengo cierta debilidad por intentar quitar el máximo de elementos posibles en mis producciones, porque con demasiada frecuencia tendemos a incorporar elementos de relleno que no cumplen ninguna función posterior o no resaltan de ningún modo en el desarrollo.

 

 

Pero mantener el equilibrio también es importante para mí, por eso hay veces que añado algún elemento al principio para silenciarlo después, cuando el tema está más avanzado. Quizás todo esto no defina el concepto de profundidad y equilibrio en mi música, pero lo explica, al menos para mí.

5. Tu último lanzamiento se publicó el pasado 6 de diciembre. ¿Qué conceptos o ideas hay detrás de este trabajo? ¿Hay algo que quisiste explorar o expresar que no habías hecho antes? ¿Sientes que este lanzamiento marca una evolución en tu sonido, o es una extensión de lo que has estado trabajando hasta ahora?

Mi último lanzamiento es una colaboración con Vince Watson bajo su aka de techno Amorphic que se llama “Distant Landscapes” y que acaba de salir en Blueprint Records.

 

 

La historia es muy sencilla y el concepto también. Vince me escribió a principios de año para decirme que estaba pensando en arrancar una serie de colaboraciones para impulsar un poco su nuevo proyecto. Yo soy un gran fan suyo desde sus primeros trabajos de techno Detroit en Planet E Communications, R&S Records y otros grandes sellos, así que no dudé en aceptar.

 

Simplemente, él grabó y me envió varios sonidos con los que empezar a trabajar, y yo hice lo mismo. Después de unos meses de trabajo salieron 8 tracks y él propuso enviarle algunos a James Ruskin para su sello Blueprint, y le gustaron mucho, lo cual me pareció genial porque Blueprint es uno de mis sellos favoritos desde su primera referencia y tengo decenas en mi colección. El resto de tracks se los enviamos a Bas Mooy, que también los aceptó y saldrán en Mord a mediados del próximo año. Supongo que todos estamos muy contentos con el resultado.

 

 

Conceptualmente, no es más que el resultado de las transmisiones sónicas realizadas por dos artistas afines, pero de generaciones distintas, que no se conocen personalmente, pero que se admiran y respetan mutuamente. Ahí radica la esencia de estos dos trabajos.

6. ¿Qué máquinas, herramientas o técnicas han sido clave en este nuevo proyecto? ¿Cómo han influido en el carácter de los temas? ¿Ves alguna conexión entre la tecnología que usas y las emociones que buscas transmitir con tu música?

Para este proyecto, básicamente utilicé algunas secuencias que hice con el Waldorf Iridium, el Arturia PolyBrute, el Roland SH-01 y un Access Virus B, además de algunos plugins y algún loop de librerías antiguas de Akai que encontré por casa. Siempre quiero mantener un cierto grado de espiritualidad retro en mi música, y a veces me gusta rebuscar por los cajones o armarios en busca de algún cacharro o muestras antiguas para mezclarlas con plugins actuales. Para mí, los plugins son el mejor y mayor aporte tecnológico del siglo en cuanto a producción.

 

 

En cuanto a Vince, deberías preguntarle a él. Me consta que le gusta combinar elementos como a mí, pero no tengo los detalles.

7. Exium ha sido una parte fundamental de tu trayectoria. ¿Cómo dirías que la evolución de Tensal como proyecto en solitario ha influido en el enfoque sonoro o creativo de Exium?

En el desarrollo de Exium influye todo lo que pasa tanto por mi mente como por la de Valentín. Es evidente que algunos elementos de nuestros proyectos en solitario se filtran ocasionalmente en nuestras producciones conjuntas, al igual que ocurre a la inversa. Al final, somos personas, y por mucho que intentemos disociarlo, son las mismas mentes las que están detrás. Aun así, intentamos mantener el espíritu de Exium lo más independiente posible, y los conceptos a la hora de plantear los temas suelen ser diferentes en su mayoría, aunque algunos, inevitablemente, coincidan. Si te fijas en nuestra discografía, Exium abarca un mundo sonoro mucho más amplio.

 

8. En un contexto donde la música comercial a menudo busca influir en las emociones o estados de ánimo, tu enfoque parece más auténtico y conectado con las frecuencias que impactan a nivel interno. ¿Cómo percibes la relación entre las frecuencias sonoras y la experiencia emocional del oyente, y qué lugar tiene esto en tu proceso creativo?

Mi intención al expresarme está más enfocada en alterar ciertos instintos que, creo, habitan en todo ser humano, que en modificar frecuencias sonoras concretas. Es algo más visceral y menos científico. Sinceramente, creo que la música electrónica, y el techno en particular, remueven nuestros instintos más primarios. Hay algo en la repetición, la hipnosis y el trance sonoro que despierta ciertos grados de consciencia plena, más allá de nuestro propio entendimiento. Por eso, desde tiempos ancestrales, el ser humano tiende a agruparse cada cierto tiempo en rituales ceremoniales de conexión y curación. Antes lo hacía durante horas, rodeado de sonidos repetitivos y percusivos alrededor de un fuego; ahora vamos a los clubes.

9. ¿Qué te llevó a adentrarte en el mundo del techno y cuáles fueron los artistas, movimientos o momentos que marcaron el inicio de tu camino en la música electrónica? ¿Cómo ha evolucionado tu percepción del techno a lo largo de los años?

Personalmente, me adentré muy joven en este mundo, y todo comenzó porque cayó en mis manos una cinta de casete de acid house en 1988. Aunque ya tenía cierto conocimiento e influencia del techno pop de los 80 y de los primeros ecos de la ruta valenciana —porque este tipo de música sonaba en algunas radios convencionales—, al principio, cuando escuchaba esa cinta, no entendía nada: todo me parecía igual. Pero había algo en ella que me empujaba a volver a escucharla una y otra vez, hasta que empecé a apreciar los detalles. Al cabo de unas semanas, ya distinguía todos los tracks y las mezclas. Un mundo nuevo se abrió ante mí. Sin embargo, como solo tenía 11 o 12 años, tuve que esperar un par de años más hasta que pude acceder a un club.

 

 

Lo cierto es que soy afortunado, porque no he conocido otra cultura de ocio nocturno más que esta. La primera vez que pude salir de noche, alrededor del año 91, ya fui a un club de techno, y para entonces llevaba algún tiempo comprando discos. Cuando entré allí, ya no quise conocer nada más. Al principio, fueron razones culturales las que me atraparon, pero después las sociales calaron en mí con fuerza. Eran sitios sin clichés ni estereotipos, donde el mero hecho de estar allí ya te hacía cómplice del resto. Todos éramos aceptados, fuera cual fuera la condición de cada uno.

 

 

Los primeros DJs que seguíamos eran locales de Asturias y pinchaban un poco de todo: EBM, post-punk, techno alemán, trance, acid house, electro, rock gótico, techno de Detroit, house de Chicago… Al principio, aquí se mezclaba un poco de todo.

 

La evolución ha sido curiosa, porque yo creo que no se ha vuelto a crear nada realmente original desde los años 90. Solo se repiten conceptos, y casi siempre de manera errónea. Recuerdo, por ejemplo, que en 1995 arrancamos el año escuchando aún mucho acid trance. Después, durante unos meses, sonó mucho Goa y hard trance, y hacia mitad de año el sonido fue derivando cada vez más hacia el techno, mayoritariamente británico, y cada vez más minimalista. Pasamos por artistas como Dave Clarke, Underworld, Slam y los primeros lanzamientos de Soma, Laurent Garnier y F Communications, The Advent, Cristian Vogel o Neil Landstrumm. Terminamos el año con los primeros discos americanos antiguos de principios de los 90 que comenzaban a llegar desde Submerge, con sellos como UR, Red Planet y Axis. Aunque esos discos ya tenían dos o tres años, aquí nunca habían sonado. Todo esto ocurrió en un solo año.

 

 

Ahora, en cambio, tengo la sensación de que llevo 10 años escuchando el mismo tema. Antes, todo pasaba muy rápido: era mucho más intenso y mejor. Hoy estamos demasiado ocupados viendo o mirando ciertas cosas, y a veces no escuchamos las que realmente son necesarias.

10. Komatssu parece un espacio donde exploras sonidos más atmosféricos y experimentales. ¿Qué te impulsa a trabajar bajo este alias y cómo enriquece tu visión general como productor? ¿Cómo fusionas los elementos más experimentales de Komatssu con el enfoque más estructurado y purista de Tensal?

Komatssu es, para mí, una vía de escape. Es mi proyecto más personal, un refugio donde puedo dar rienda suelta a mi lado más musical. A su vez, es el espacio donde puedo experimentar con total libertad, ya que su carácter es marcadamente atemporal: no se rige por ningún patrón preestablecido, ni técnico ni estético. Supongo que todos los elementos que conforman mi imaginario sonoro terminan formando parte, de una u otra manera, de todo lo que hago. No podría ser de otra forma.

 

11. ¿Qué te gustaría que la gente recordara de Tensal, Exium y Komatssu cuando escuchen tu música dentro de 20 años? ¿Hay algún aspecto específico de tu legado que consideras más importante, como tu innovación, impacto en la escena, o fidelidad a tus principios?

Lo que me gustaría es que, dentro de 20 años, pase lo mismo que sucede ahora cuando la gente escucha lo que hicimos hace 20 años o más: que siga sonando innovador, fresco y honesto, que no se diluya en las modas y permanezca fiel a los estímulos que forman parte de mi universo sonoro. Que continúe emocionando, que mis temas se puedan escuchar en cualquier momento y contexto, y que sigan sonando potentes y futuristas. Me gustaría que todo siguiera igual.

 

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