Entrevista exclusiva con Tensal

Una charla sobre su evolución, influencias y el futuro del género

1. Tu música parece diseñada para ofrecer una experiencia auditiva única y personal. ¿Qué elementos consideras clave para generar esa conexión íntima con el oyente? ¿Hay algún tipo de emoción o estado de ánimo específico que busques provocar con tu música?

Definitivamente sí, claro que hay elementos que añado o dejo de añadir en mis producciones para intentar generar estados de conciencia favorables, cosas como la hipnosis, la repetición o, en algunos casos, algún tipo de clímax.

 

 

Estos elementos pueden ser sonidos directamente, o bien diversas formas de desarrollo que puedo elegir para generar las emociones que considero convenientes en cada momento.

2. En una era donde el algoritmo domina el consumo musical, ¿cómo mantienes la esencia purista y underground de tu música sin dejar que se diluya por las tendencias? ¿Cómo ves el impacto de las plataformas de streaming en la percepción del techno y la música electrónica más experimental?

Para mí es fácil no dejarme llevar demasiado por las tendencias porque, en realidad, si hablamos de influencias musicales, lo que más influye en mi música es el sonido de los 80 y los 90, con el que crecí. Es la música que me hizo enamorarme de todo esto. Aun así, creo que las tendencias se nutren constantemente de lo que ya se ha hecho. Es cierto que internet y sus plataformas han cambiado por completo los hábitos y las formas de consumo en los últimos años.

 

 

Antes teníamos que salir a buscar información tanto sonora como visual, esto lo hacíamos consiguiendo cintas de casete de actuaciones de DJs en vivo para intercambiarlas por otras, leyendo revistas y escuchando la radio. También podías conseguir información comprando algún disco, pero ese era un recurso que requería mucho esfuerzo conseguir y no estaba al alcance de todo el mundo.

3. ¿Qué papel juegan las máquinas analógicas en tu proceso creativo? ¿Crees que la tecnología digital ha robado parte del alma al sonido techno? ¿Hay alguna máquina o herramienta que consideres esencial para capturar esa esencia del techno que buscas?

Definitivamente el hardware clásico es una herramienta con la que cuento en todas mis producciones de un modo u otro. Efectivamente, como apuntas, creo que cosas como Ableton y otras herramientas han contribuido a la unificación del sonido. Creo que hay demasiadas personas creando un sonido exactamente igual.

 

En mi caso, no he utilizado nunca Ableton para producir, básicamente por esta razón. Casi todo lo que pasa por ahí me suena igual, aunque he de decir que pincho y admiro mucha música hecha de este modo, pero no es lo que quiero para mí. Necesito mantenerme fiel a mis orígenes y a mis métodos si no quiero perder mi esencia. Para mí, mantener un enfoque personal también implica el modo en el que hago las cosas.

 

 

Se podría decir que un sintetizador analógico o analógico-digital es imprescindible en todos mis trabajos.

4. Aunque a menudo se asocia el minimalismo con simplicidad, en tu caso parece reflejar más bien una búsqueda de equilibrio y profundidad en los elementos esenciales. ¿Es esta estética minimalista una decisión consciente, una necesidad técnica o algo que emerge naturalmente en tu música? ¿Cómo defines el concepto de «equilibrio» y «profundidad» en tu música?

Para mí el espacio genera fuerza. Ese vacío entre beats que impulsó el primer techno minimalista, tan reminiscente del clásico dub jamaicano y que impulsó gente como Maurizio, fue una pequeña revolución en mi mente a mediados de los 90. Quizás por eso tengo cierta debilidad por intentar quitar el máximo de elementos posibles en mis producciones, porque con demasiada frecuencia tendemos a incorporar elementos de relleno que no cumplen ninguna función posterior o no resaltan de ningún modo en el desarrollo.

 

 

Pero mantener el equilibrio también es importante para mí, por eso hay veces que añado algún elemento al principio para silenciarlo después, cuando el tema está más avanzado. Quizás todo esto no defina el concepto de profundidad y equilibrio en mi música, pero lo explica, al menos para mí.

5. Tu último lanzamiento se publicó el pasado 6 de diciembre. ¿Qué conceptos o ideas hay detrás de este trabajo? ¿Hay algo que quisiste explorar o expresar que no habías hecho antes? ¿Sientes que este lanzamiento marca una evolución en tu sonido, o es una extensión de lo que has estado trabajando hasta ahora?

Mi último lanzamiento es una colaboración con Vince Watson bajo su aka de techno Amorphic que se llama “Distant Landscapes” y que acaba de salir en Blueprint Records.

 

 

La historia es muy sencilla y el concepto también. Vince me escribió a principios de año para decirme que estaba pensando en arrancar una serie de colaboraciones para impulsar un poco su nuevo proyecto. Yo soy un gran fan suyo desde sus primeros trabajos de techno Detroit en Planet E Communications, R&S Records y otros grandes sellos, así que no dudé en aceptar.

 

Simplemente, él grabó y me envió varios sonidos con los que empezar a trabajar, y yo hice lo mismo. Después de unos meses de trabajo salieron 8 tracks y él propuso enviarle algunos a James Ruskin para su sello Blueprint, y le gustaron mucho, lo cual me pareció genial porque Blueprint es uno de mis sellos favoritos desde su primera referencia y tengo decenas en mi colección. El resto de tracks se los enviamos a Bas Mooy, que también los aceptó y saldrán en Mord a mediados del próximo año. Supongo que todos estamos muy contentos con el resultado.

 

 

Conceptualmente, no es más que el resultado de las transmisiones sónicas realizadas por dos artistas afines, pero de generaciones distintas, que no se conocen personalmente, pero que se admiran y respetan mutuamente. Ahí radica la esencia de estos dos trabajos.

6. ¿Qué máquinas, herramientas o técnicas han sido clave en este nuevo proyecto? ¿Cómo han influido en el carácter de los temas? ¿Ves alguna conexión entre la tecnología que usas y las emociones que buscas transmitir con tu música?

Para este proyecto, básicamente utilicé algunas secuencias que hice con el Waldorf Iridium, el Arturia PolyBrute, el Roland SH-01 y un Access Virus B, además de algunos plugins y algún loop de librerías antiguas de Akai que encontré por casa. Siempre quiero mantener un cierto grado de espiritualidad retro en mi música, y a veces me gusta rebuscar por los cajones o armarios en busca de algún cacharro o muestras antiguas para mezclarlas con plugins actuales. Para mí, los plugins son el mejor y mayor aporte tecnológico del siglo en cuanto a producción.

 

 

En cuanto a Vince, deberías preguntarle a él. Me consta que le gusta combinar elementos como a mí, pero no tengo los detalles.

7. Exium ha sido una parte fundamental de tu trayectoria. ¿Cómo dirías que la evolución de Tensal como proyecto en solitario ha influido en el enfoque sonoro o creativo de Exium?

En el desarrollo de Exium influye todo lo que pasa tanto por mi mente como por la de Valentín. Es evidente que algunos elementos de nuestros proyectos en solitario se filtran ocasionalmente en nuestras producciones conjuntas, al igual que ocurre a la inversa. Al final, somos personas, y por mucho que intentemos disociarlo, son las mismas mentes las que están detrás. Aun así, intentamos mantener el espíritu de Exium lo más independiente posible, y los conceptos a la hora de plantear los temas suelen ser diferentes en su mayoría, aunque algunos, inevitablemente, coincidan. Si te fijas en nuestra discografía, Exium abarca un mundo sonoro mucho más amplio.

 

8. En un contexto donde la música comercial a menudo busca influir en las emociones o estados de ánimo, tu enfoque parece más auténtico y conectado con las frecuencias que impactan a nivel interno. ¿Cómo percibes la relación entre las frecuencias sonoras y la experiencia emocional del oyente, y qué lugar tiene esto en tu proceso creativo?

Mi intención al expresarme está más enfocada en alterar ciertos instintos que, creo, habitan en todo ser humano, que en modificar frecuencias sonoras concretas. Es algo más visceral y menos científico. Sinceramente, creo que la música electrónica, y el techno en particular, remueven nuestros instintos más primarios. Hay algo en la repetición, la hipnosis y el trance sonoro que despierta ciertos grados de consciencia plena, más allá de nuestro propio entendimiento. Por eso, desde tiempos ancestrales, el ser humano tiende a agruparse cada cierto tiempo en rituales ceremoniales de conexión y curación. Antes lo hacía durante horas, rodeado de sonidos repetitivos y percusivos alrededor de un fuego; ahora vamos a los clubes.

9. ¿Qué te llevó a adentrarte en el mundo del techno y cuáles fueron los artistas, movimientos o momentos que marcaron el inicio de tu camino en la música electrónica? ¿Cómo ha evolucionado tu percepción del techno a lo largo de los años?

Personalmente, me adentré muy joven en este mundo, y todo comenzó porque cayó en mis manos una cinta de casete de acid house en 1988. Aunque ya tenía cierto conocimiento e influencia del techno pop de los 80 y de los primeros ecos de la ruta valenciana —porque este tipo de música sonaba en algunas radios convencionales—, al principio, cuando escuchaba esa cinta, no entendía nada: todo me parecía igual. Pero había algo en ella que me empujaba a volver a escucharla una y otra vez, hasta que empecé a apreciar los detalles. Al cabo de unas semanas, ya distinguía todos los tracks y las mezclas. Un mundo nuevo se abrió ante mí. Sin embargo, como solo tenía 11 o 12 años, tuve que esperar un par de años más hasta que pude acceder a un club.

 

 

Lo cierto es que soy afortunado, porque no he conocido otra cultura de ocio nocturno más que esta. La primera vez que pude salir de noche, alrededor del año 91, ya fui a un club de techno, y para entonces llevaba algún tiempo comprando discos. Cuando entré allí, ya no quise conocer nada más. Al principio, fueron razones culturales las que me atraparon, pero después las sociales calaron en mí con fuerza. Eran sitios sin clichés ni estereotipos, donde el mero hecho de estar allí ya te hacía cómplice del resto. Todos éramos aceptados, fuera cual fuera la condición de cada uno.

 

 

Los primeros DJs que seguíamos eran locales de Asturias y pinchaban un poco de todo: EBM, post-punk, techno alemán, trance, acid house, electro, rock gótico, techno de Detroit, house de Chicago… Al principio, aquí se mezclaba un poco de todo.

 

La evolución ha sido curiosa, porque yo creo que no se ha vuelto a crear nada realmente original desde los años 90. Solo se repiten conceptos, y casi siempre de manera errónea. Recuerdo, por ejemplo, que en 1995 arrancamos el año escuchando aún mucho acid trance. Después, durante unos meses, sonó mucho Goa y hard trance, y hacia mitad de año el sonido fue derivando cada vez más hacia el techno, mayoritariamente británico, y cada vez más minimalista. Pasamos por artistas como Dave Clarke, Underworld, Slam y los primeros lanzamientos de Soma, Laurent Garnier y F Communications, The Advent, Cristian Vogel o Neil Landstrumm. Terminamos el año con los primeros discos americanos antiguos de principios de los 90 que comenzaban a llegar desde Submerge, con sellos como UR, Red Planet y Axis. Aunque esos discos ya tenían dos o tres años, aquí nunca habían sonado. Todo esto ocurrió en un solo año.

 

 

Ahora, en cambio, tengo la sensación de que llevo 10 años escuchando el mismo tema. Antes, todo pasaba muy rápido: era mucho más intenso y mejor. Hoy estamos demasiado ocupados viendo o mirando ciertas cosas, y a veces no escuchamos las que realmente son necesarias.

10. Komatssu parece un espacio donde exploras sonidos más atmosféricos y experimentales. ¿Qué te impulsa a trabajar bajo este alias y cómo enriquece tu visión general como productor? ¿Cómo fusionas los elementos más experimentales de Komatssu con el enfoque más estructurado y purista de Tensal?

Komatssu es, para mí, una vía de escape. Es mi proyecto más personal, un refugio donde puedo dar rienda suelta a mi lado más musical. A su vez, es el espacio donde puedo experimentar con total libertad, ya que su carácter es marcadamente atemporal: no se rige por ningún patrón preestablecido, ni técnico ni estético. Supongo que todos los elementos que conforman mi imaginario sonoro terminan formando parte, de una u otra manera, de todo lo que hago. No podría ser de otra forma.

 

11. ¿Qué te gustaría que la gente recordara de Tensal, Exium y Komatssu cuando escuchen tu música dentro de 20 años? ¿Hay algún aspecto específico de tu legado que consideras más importante, como tu innovación, impacto en la escena, o fidelidad a tus principios?

Lo que me gustaría es que, dentro de 20 años, pase lo mismo que sucede ahora cuando la gente escucha lo que hicimos hace 20 años o más: que siga sonando innovador, fresco y honesto, que no se diluya en las modas y permanezca fiel a los estímulos que forman parte de mi universo sonoro. Que continúe emocionando, que mis temas se puedan escuchar en cualquier momento y contexto, y que sigan sonando potentes y futuristas. Me gustaría que todo siguiera igual.

 

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Entrevista exclusiva con Pyramidal Decode

«Compounds»: el debut de PHYR RECORDS en vinilo, una obra maestra del techno

Hoy tenemos el placer de tener una charla con Pyramidal Decode, un productor enfocado en el Techno. Nacido en Italia en 1998, es conocido por su sonido único, caracterizado por percusiones intensas, destellos analógicos, y una atmósfera hipnótica.

 

 

La música de Pyramidal Decode es elogiada por su calidad oscura, dejando su huella en sellos como Axis, Warm Up Recordings, MORD, Semantica, Attic, Dynamic Reflection, Loopaina Records o Nachtstrom Schalllplatten. Remarcando lanzamientos como el álbum Cosmic Paradox en el prestigioso sello Axis Recordings de Jeff Mills, seguido de importantes EPs como Dysfunctional System en Dynamic Reflection y Logical Inference en Warm Up Recordings. Este año también pudimos conocer su vinilo 12″ llamado Isteria, editado en el sello español Loopaina Records.

 

Ahora, se embarca en su nuevo proyecto con la creación de su propio label, PHYR RECORDS.

 

Aprovechando el lanzamiento de la primera referencia en PHYR RECORDS, un álbum en formato Various Artists que cuenta con grandes artistas como Oliver Rosemann, Irazu, Unkle Fon, PWCCA y el propio Pyramidal Decode, exploraremos los detalles detrás del nacimiento de su sello, analizaremos su primera referencia y descubriremos detalles sobre Pyramidal Decode, un artista conocido por su energía implacable, en constante ascenso dentro de la escena electrónica, que sigue dejando huella con su visión única y su creciente impacto en el mundo del Techno.

 

Comencemos por tus principios como artista, ¿Cómo iniciaste tu carrera en la música electrónica y qué te llevó a enfocarte en el Techno?

 

Inicié mi carrera musical a los 12 años, tocando la guitarra y explorando diversos géneros. Fue a través de un amigo, el DJ y productor Rhoowax, que descubrí el sello MINUS de Richie Hawtin. Esto me impulsó a descargar FL Studio y Ableton, donde di mis primeros pasos en la producción de música electrónica.

 

Empezaste muy joven y eso te ha permitido conocer diferentes géneros y artistas, influyendo seguramente en tu creatividad como productor. ¿Qué influencias y que nombres han marcado tu estilo como Pyramidal Decode?

 

El jazz es, sin duda, mi género favorito. Artistas como Thelonious Monk, Joe Anderson y Dave Brubeck han sido cruciales en mi evolución musical.

 

En el ámbito del techno, he sido profundamente influenciado por Oscar Mulero, Rrose, Mike Parker, Reeko y Barker, quienes han dejado una marca significativa en mi estilo.

 

 

¿Cómo definirías la evolución de tu sonido desde que iniciaste hasta ahora?

 

Desde mis inicios, me he comprometido a buscar un sonido más complejo y preciso. Siempre me han fascinado los ritmos contundentes y los sonidos hipnóticos, y con el tiempo he aprendido a integrarlos de manera más efectiva en mi música.

 

En el estudio es donde creas todo tu arte musical, no es corta la lista de grandes sellos que apuestan por tu creatividad, ¿Qué herramientas o equipo son esenciales para ti cuando produces música? Y ¿Cómo te mantienes inspirado a la hora de producir?

 

En cuanto a herramientas decirte que soy un gran aficionado a las máquinas de Elektron; actualmente tengo una Analog Four MK2, un Digitakt, un Machinedrum y un sistema modular pequeño. No obstante, la mayoría de mis producciones se realizan exclusivamente en Ableton Live, utilizando sus dispositivos nativos.

 

Para mantenerme inspirado, me gusta construir nuevos instrumentos con Max for Live y Ableton. Esto me permite crear sonidos y secuencias novedosas que estimulan mi creatividad. Paso mucho tiempo en el estudio, siempre listo para capturar esos destellos de inspiración; hay semanas en las que compongo cinco temas y otras en las que apenas logro un buen kick.

 

Recientemente pudimos escuchar tu vinilo en solitario para el sello español Loopaina Records, «Isteria», un 12″ con cuatro cortes donde pudimos ver tu los sonidos contundentes que creas en el estudio. ¿Es esta la dirección que seguirá Pyramidal Decode?

 

Sí, «Isteria» representa mi estilo y la atmósfera que busco crear con mi música. Mis ritmos contundentes, junto con sonidos hipnóticos y variados, emergen de manera espontánea en este trabajo.

 

 

Estamos ante tu nuevo proyecto, PHYR RECORDS, ¿Qué te motivó a crear tu propio sello discográfico?

 

Siento una gran pasión por la música y la creación. Quería tener la libertad de lanzar mis propias obras y cuidar todos los aspectos de cada lanzamiento.

 

Crear un sello sabemos que no es fácil. Conlleva mucho esfuerzo y dedicación. ¿Cómo fue el proceso de planificación y creación del sello? ¿Qué desafíos enfrentaste en el camino?

 

El proceso de planificación y creación de PHYR RECORDS ha sido bastante fluido, ya que he estado preparándome para este momento durante muchos años. Con más de una década en la música, tengo una visión clara de lo que quiero lograr. Aunque enfrenté algunos desafíos típicos, como la logística de lanzamientos y promoción, mi experiencia me ha permitido abordarlos con confianza.

 

 

¿Cuál es la visión detrás de PHYR RECORDS y cómo planeas diferenciarlo de otros sellos dentro de la escena techno?

 

La visión de PHYR RECORDS es ofrecer una plataforma para sonidos innovadores dentro del techno. Busco diferenciarme mediante la cuidadosa curación de cada lanzamiento, asegurando coherencia estilística y artística.

 

«Compounds» es el primer lanzamiento en vinilo de PHYR RECORDS. ¿Qué significa para ti lanzar este trabajo en formato físico?

 

Es un momento sumamente significativo. Siempre fue un sueño tener mi propio sello y lanzar en formato físico. Para esta ocasión, elegí un vinilo rojo, que simboliza pasión, sangre y fuego, representando la constancia y la fuerza que quiero transmitir.

 

El diseño del vinilo es espectacular, ¿Cómo fue el proceso de creación del arte y diseño del vinilo?

 

El aspecto artístico fue desarrollado por Lazly Bateman y 5599Studio. La tipografía de Lazly y las texturas de 5599 son elementos cruciales para un diseño profesional y atractivo.

 

 

Es un álbum en formato de Varios Artistas para esta primera referencia, ¿Cómo seleccionaste a los productores (PWCCA, Irazu, Unkle Fon, Oliver Rosemann) que forman parte de este álbum?

 

Conozco a PWCCA desde hace tiempo y he colaborado con él a través de su sello Hardtools, lo que me permite valorar su gran producción. Respecto a Oliver Rosemann, siempre he admirado su música, y cuando le pregunté por participar, su respuesta fue inmediata y entusiasta. Unkle Fon es un amigo cercano, ex-manager y el ingeniero de masterización de mi sello. Escuché una demo de un artista talentoso; aunque la idea era interesante, la calidad del sonido y la pre-masterización no eran adecuadas para vinilo. Días después, Manu (Unkle Fon) mencionó algunos nuevos temas que había trabajado con Irazu, y al escuchar «Decálogo», supe que tenía que incluirlo en PHYR.

 

Tu track, “Resistenza” (A1), abre el vinilo. ¿Qué emociones o narrativa intentaste capturar con este tema?

 

«Resistenza» es un tema especial para mí, uno de los que más disfruto. Quería lograr algo que fuera complejo pero estático, duro pero elegante. Es una producción minimalista, compuesta con solo cinco canales.

 

La colaboración entre Irazu y Unkle Fon en “Decálogo” (B1) es potente. ¿Qué te parece especial acerca de esta combinación de artistas y qué aporta su colaboración al lanzamiento?

 

Tanto Dani como Manu son artistas sobresalientes con visiones únicas. La combinación del diseño sonoro de Irazu junto con la habilidad técnica de Unkle Fon crea un resultado distintivo y emocionante.

 

El track “Half Human” de PWCCA (A2) tiene una energía particular. ¿Qué te llamó la atención de esta producción y cómo crees que está pegando en la escena?

 

PWCCA siempre entrega composiciones de alta calidad. Este tema encajó perfectamente en PHYR, con su enfoque minimalista y contundente. Además, ha sido pinchado por Oscar Mulero en el icónico Stone Techno Festival, lo que ha resonado en la escena.

 

Para terminar este magnífico álbum tenemos el track de Oliver Rosemann, “The Truth About Unicorns” (B2). ¿Qué te llevó a incluir este track como cierre del vinilo?

 

El tema de Oliver es muy emotivo y minimalista. La atmósfera que crea resulta ideal para cerrar el primer lanzamiento de mi sello, aportando un toque de elegancia y clase.

 

En términos de sonido, ¿qué buscabas transmitir con la variedad de tracks presentes en «Compounds»? ¿Hay algún concepto unificador detrás del EP?

 

Elegí estos temas para que el vinilo fuera versátil, manteniendo un hilo conductor de minimalismo y fuerza. Quería que cada pieza representara la singularidad de sus artistas, evitando un lanzamiento de cuatro cortes similares.

 

Para mi el vinilo tiene un atractivo especial para los coleccionistas y puristas del techno. ¿Qué te impulsó a lanzar «Compounds» en este formato en lugar de únicamente en digital?

 

Aunque la música digital es útil y accesible, siento que el vinilo posee un valor intrínseco. Representa permanencia y conexión emocional con la música. Por eso, decidí lanzarlo en este formato, que siempre tendrá su lugar en la cultura musical.

 

¿Cómo valoras la situación actual del vinilo en esta escena que tiende cada vez más a lo digital?

 

No considero que el vinilo sea el único formato válido para lanzamientos. Aunque soy un amante del vinilo y he comenzado a pinchar con él, reconozco que el equipo necesario puede ser costoso y poco accesible para las nuevas generaciones. La evolución musical ha cambiado las dinámicas, y hoy en día, la presencia de giradiscos en casa es menos común que hace 30 años.

 

Acepto que hay quienes piensan que solo se puede ofrecer una gran actuación usando platos, pero creo que cada artista debe explorar las herramientas que mejor se adapten a su expresión creativa. Reconozco también que el actual sistema puede ser un desafío para los artistas, ya que la compra de archivos digitales frecuentemente no beneficia al creador. Por eso, creo que adquirir vinilos es una forma valiosa de apoyar el trabajo y la visión artística.

 

Y en cuanto al oyente, ¿Cómo describirías la experiencia de escuchar tracks en vinilo en comparación con una plataforma digital?

 

El vinilo ofrece una calidez y riqueza sonora muy atractivas. Personalmente, aprecio el ritual de escuchar un disco. Sin embargo, reconozco que la calidad digital actual es difícil de superar, especialmente en términos de claridad.

 

Pyramidal Decode continúa desafiando los límites del techno con su pasión y visión innovadora. Con PHYR RECORDS como su nuevo lienzo, está claro que el futuro de este productor será brillante y profundamente influyente en la escena electrónica.

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Entrevista a A4

El talento emergente del techno abstracto que conquista la escena internacional

Tenemos el gusto de presentar una entrevista exclusiva con A4, el alias artístico del DJ y productor vasco Asier Morillas, quien ha emergido como una de las figuras más prometedoras de la escena techno actual.

   

Desde Irún (Euskadi, España), A4 ha logrado conquistar sellos internacionales y ganarse el reconocimiento de artistas de renombre gracias a su enfoque único en el techno abstracto y cósmico, caracterizado por texturas complejas y un diseño sonoro futurista, dejando su huella en sellos como Illegal Alien, Axis Records, Faut Section, Warm Up, Voyager Recordings o Subsist Records.

 

A4 nos desvela algunos entresijos de su más reciente lanzamiento, «Lights At Night», en el sello Voyager Recordings del artista inglés Mal Hombre. Un vinilo compuesto por nueve pistas que nos cautiva con sus sonidos SCI-FI y «espaciales», al más puro estilo A4.

 

Durante la entrevista, el artista vasco comparte su visión creativa, influencias y detalles sobre su visión a la hora de hacer sonido y nos contará un poco sobre él como artista. Una conversación con uno de los talentos más innovadores del techno contemporáneo y futurista.

Jorge: Nos presentas «Lights At Night», un vinilo compuesto por 9 tracks. En este álbum, ¿hay una historia detrás de la selección de los temas?

A4: Sí, en realidad siempre hay una historia o alguna influencia detrás. En este caso, el álbum está muy influenciado por películas antiguas de ciencia ficción.

 

Jorge: ¿Cómo describirías la atmósfera general del álbum y que sensaciones esperas que despierte en quienes lo escuchen?

A4: El concepto del álbum se basa en la búsqueda de objetos extraños que se ven en el cielo, de ahí el nombre «Lights at Night». Lo que busco es que, al escucharlo, la gente haga lo mismo que hago yo cuando estoy creando: que viajen, que cierren los ojos y dejen que la mente vaya donde tenga que ir.

 

Jorge: En conjunto el álbum para mí es una pasada, un viaje de principio a fin, para ti, ¿cuál de los tracks sientes que representa mejor el espíritu del álbum?

 

A4: Es una pregunta difícil porque todos los tracks me gustan mucho. A veces uno te gusta más que otro, y otras veces al revés. Pero ahora mismo me viene un bonito recuerdo de cuando creé «The Odd Man» en el estudio, así que diré que ese es el que representa mejor el álbum. ¡Me la juego con «The Odd Man»!

 

Jorge: En comparación con tus trabajos anteriores, ¿qué diferencias o evolución notas en este nuevo lanzamiento?

A4: Es complicado diferenciarlos, porque cada disco lo haces en un momento diferente, influenciado por las emociones y la creatividad que tengas en ese periodo. Sería como tener que elegir entre varios de tus hijos, (Risas)

Jorge: ¿Cómo surgió la idea de lanzar este nuevo trabajo en formato vinilo en Voyager Recordings?

A4: A partir de la primera referencia de «Voyager», que fue un «varios artistas» donde participaron Mike Storm, Linear System, Mal Hombre y yo. Mark (Mal Hombre) me comentó la idea de hacer un álbum para las próximas referencias. Así es como surgió todo.

Jorge: Estamos en unos tiempos donde la música digital va empujando cada vez con más fuerza. Conocimos tu aporte con tu track «The Visitors» para el álbum de varios artistas (formato doble CD) que editó el sello español Loopaina Records el pasado mes de febrero.

Seguimos viendo que muchos sellos siguen apostando por lo analógico. ¿Qué significa para ti, como productor, lanzar una nueva referencia en vinilo, en una industria que tiende cada vez más hacia lo digital y cómo lo valoras?

A4: Hay que valorarlo mucho. El formato físico tiene un coste más elevado y, si no vendes copias, ni siquiera recuperas lo invertido. Es importante reconocer el esfuerzo de los sellos que, además de sacar referencias digitales, siguen editando en formatos físicos como vinilos, cassettes o CDs.

 

Para mí lo más importante es la música, independientemente de si sale en vinilo o digital. Pero he de reconocer que sacar algo en formato físico, en este caso un vinilo, siempre es algo muy especial. No tengo ninguna duda de eso.

 

Jorge: Hablemos ahora de ti como artista. ¿Cómo nació tu pasión por la música y, en particular, por el techno?

A4: Saliendo por los clubs del norte. Con el tiempo, vas tirando para un lado u otro, y el techno es un género al que creo que llegas después de años de estar escuchando e investigando música.

Jorge: A lo largo de tu carrera, ¿qué influencias musicales te han marcado más profundamente?

A4: Podría mencionar a varios, pero sin duda, mis influencias más grandes son Oscar Mulero y Jeff Mills.

 

Jorge: Una pregunta que me daba mucha intriga, ¿por qué elegiste «A4» como tu alias artístico?

A4: Estuve mucho tiempo pensando en nombres, pero ninguno me convencía. Un día, mi amigo Luis Rozalen (HD SUBSTANCE) y yo estábamos mirando mi Elektron Analog Four, y él dijo: «¿A4? Pues venga, A4». Y así quedó! (Risas)

 

Jorge: Hace poco te vimos actuar en vivo en Pamplona, España. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Qué disfrutas más, la producción en el estudio o tocar en vivo?

A4: La experiencia en Pamplona fue muy buena. Llevé un directo con muchos breaks, ritmos rotos y los sonidos SCI-FI que suelo usar. Estuvo muy guay. El directo lo tienes que tener preparado; puedes improvisar algo, pero la estructura debe estar lista. En el estudio, en cambio, no tienes la presión del público. Estás solo, creando y generando ideas. La verdad es que me encantan las dos opciones.

 

Jorge: Finalmente, ¿cómo describirías tu crecimiento profesional a lo largo de los años? Y, ¿qué consejo le darías a alguien que está comenzando en el mundo del techno como DJ o productor?

A4: Con el tiempo, tengo las cosas más claras, y eso es un gran avance. Sé qué sonido quiero buscar y si el proyecto en el que estoy trabajando me llena o no. Ahora tomo decisiones más rápido. Antes perdía mucho tiempo en cosas que al final no me servían, aunque todavía me voy por las ramas cuando estoy creando un sonido. Pero, en general, tener ideas más claras es un avance importante para no perder tiempo en lo que no tiene futuro.

 

El mejor consejo es que respete y valore el TECHNO. Se necesita mucha paciencia, esfuerzo y trabajo para obtener resultados positivos. Que se forme y aprenda todo lo que pueda, porque no hay más trucos.

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Entrevista a Marie Julie: «El vinilo es mi viaje: el carácter tangible, la tensión y la magia del sonido»

Esta disc jockey de vinilos ha logrado destacarse no solo por su habilidad técnica, sino también por su capacidad para crear atmósferas profundas y cautivadoras que transportan a su audiencia a través de un viaje sonoro único.

 

 

En esta entrevista, Marie Julie nos ofrece una mirada íntima a su trayectoria, influencias y visión del mundo del techno, desde sus humildes inicios hasta su consolidación como una figura respetada en la escena. A través de sus respuestas, descubrimos no solo el amor por el vinilo, sino también su compromiso con la equidad en una industria en constante evolución.

¿Qué fue lo que inicialmente te atrajo al mundo de la música electrónica y al techno en particular?

No hubo un gran momento revelador. Crecí escuchando mucho pop de los años ochenta en casa, y luego con mucha música eurodance en la radio. Mi ventana al mundo musical más amplio, siendo adolescente, fue MTV. Por las noches, transmitían música electrónica más underground, la cual me resultaba muy interesante. Había una pequeña tienda de discos en mi ciudad natal donde vendían libros y vinilos, pero también tenían una revista mensual oscura con un CD adjunto. En esos CDs había drum & bass, ambient, dark electro y otros géneros electrónicos extraños. Me abrió todo un mundo nuevo de música electrónica underground.

 

https://www.youtube.com/watch?v=NgU4D_jkIGE

 

Mis primeras raves fueron de drum & bass, luego electro, y también tuve una gran etapa de house. En Gante, tenías el festival Ten Days Off en verano, un festival de diez días con lo mejor del house, electro y techno. Descubrí a muchos artistas y (sub)géneros allí. Definitivamente fue una puerta de entrada importante para mí. El techno siempre estuvo presente, pero mi año en Berlín, y mi primera visita a Berghain en 2006, me conquistaron definitivamente.

¿Hay algún disco de vinilo en particular que consideres una joya en tu colección y que siempre encuentres la manera de incluir en tus sets?

No hay solo uno, ¡sino muchos! Hay tantas joyas. Y cambio mis sets con mucha frecuencia. Pero las joyas suelen ser material más antiguo como de Steve Rachmad (y todos sus alias), Damon Wild, James Ruskin y gemas melódicas de Inigo Kennedy. También siempre hay una pista de Dold, Altinbas, Phara, Jeroen Search, Border One, Talismann y Kr!z en mis sets.

 

¿Qué artistas de la escena te han inspirado y qué producciones suyas te han sorprendido?

Soy una gran fan de Efdemin. No solo de sus producciones, sino también de cómo construye un set y crea un ambiente. Pero también DVS1, Klock, Mulero… sin sorpresas ahí. Me inspiraron desde el principio. Pero la respuesta real aquí es que me inspiro en muchos artistas. Te influencias de cada uno. Sé que es una respuesta aburrida y políticamente correcta, ¡pero es la verdad!

 

El techno es conocido por su atmósfera intensa y su capacidad para llevar a los oyentes a un viaje. ¿Cómo describes tu enfoque para construir un set que tenga un impacto emocional en tu audiencia?

Nunca me aferro a un solo ritmo o vibra. No me malinterpretes, me gustan los sets que te llevan a cierta tensión y te mantienen ahí. Pero para mí, un set es como viajar por las montañas, subidas y bajadas, valles y cumbres. Tocar con vinilos también te convierte en una especie de selector. Siempre me arriesgo un poco, sé que algunas pistas son más difíciles o hacen que la gente se detenga a escuchar, pero creo que es importante traer algo diferente de vez en cuando. Siempre tengo una o más personas que me envían mensajes y señalan esas pistas. Y a veces tienes una multitud que lo capta y juntos alcanzamos ese punto. ¡Magia!

 

Como DJ de vinilos, ¿cuál es tu opinión sobre la experiencia de mezclar y girar discos de vinilo en comparación con los formatos digitales?

En realidad, no sé cómo pinchar con CDJs. Lo intenté una vez y veo el potencial masivo. Las combinaciones y capas son infinitas y pueden ser muy creativas. Me gusta cuando un DJ lo domina. Ya es algo genial cuando mezclas dos vinilos y a veces creas una mezcla increíblemente buena. Siempre imagino cómo se podrían lograr mezclas aún más dulces cuando tocas en formato digital.

 

 

Definitivamente podría perderme fácilmente en eso. Pero estoy enganchada a mis tocadiscos. Es como siempre lo he hecho, lo aprendí desde cero, cómo construyo un set, cómo selecciono las pistas, cómo mis sets son lo que son. No quiero cambiar eso. El carácter tangible, la tensión, los pequeños ajustes en el pitch, el aspecto visual de las portadas… Solo viajar con ellos ya es difícil 🙂

El vinilo es conocido por su calidad de sonido y calidez única, ¿cómo crees que esta característica afecta la forma en que la audiencia experimenta tu música en comparación con otros formatos?

Recibo muchos comentarios de personas que me dicen que el sonido era mejor cuando yo estaba tocando. Eso hace que valga la pena todas las maldiciones 🙂 Pero también está el aspecto visual. A la gente le encanta verte trabajar, ajustar el pitch, sacar un disco de la funda, etc. Creo (y espero) que están más abiertos a seguirte en un viaje.

¿Cuál es tu opinión sobre el rol de las mujeres DJs en la escena? ¿Qué mujer o mujeres destacarías en la escena por su trabajo y dedicación? 

Me alegra que cada vez haya más mujeres activas en la escena. Cuando comencé, a menudo estaba sola. Había mucha más presión, menos oportunidades, mucha energía masculina en las pistas de baile, pero también en las tiendas de discos, en los camerinos. A menudo no te incluían en la conversación. Además de más mujeres DJs, también necesitamos más mujeres como promotoras, agentes, organizadoras, técnicas, etc. Solo cuando el ecosistema cambie en su totalidad, finalmente tendremos algo de igualdad.

 

 

Hay muchas mujeres que están haciendo cosas realmente increíbles. Es difícil nombrar a unas pocas, pero me gustan las DJs y productoras que también se preocupan por este ecosistema femenino y realmente abogan por otras mujeres DJs y el cambio. Así que un saludo a mis otras chicas de vinilo: The Lady Machine, Anika Kunst, Blasha & Allat, Reka Zalan, pero también a productoras emergentes como Sanna Mun, Kamelia, Isabel Soto.

 

 

También me gustaría mencionar a las DJs y promotoras (internacionales pero también locales) que trabajan muy duro para cambiar el sistema, como Lea Occhi en Spectrum, Yamila en Closer en Milán, Dark Moon en Alter Ego en Madrid, Ghaza para La Nature Festival, Justine Perry en Resilience Paris… y seguramente me estoy olvidando de algunas más.

La escena techno es conocida por ser un entorno nocturno, ¿cómo crees que ha evolucionado la cultura de clubes y raves en los últimos años y qué impacto ha tenido en tu carrera como artista?

Oh, wow, han cambiado muchas cosas. Ravear y las fiestas de techno eran más algo underground. Hoy en día, ravear parece más una especie de estilo de vida. Ha crecido mucho, el techno se ha convertido en un término amplio… y atrae a más ‘turistas del techno’ hoy en día. Cuanto más grandes son las multitudes, con menos educación y experiencia en techno, más la música se adapta a otro estándar. Es normal cuando algo se vuelve más popular, pero es preocupante para el núcleo. No todo es malo, si un 10% se inclina hacia el lado dulce, entonces estamos a salvo por otros 10 años 🙂

 

 

Con el auge de las redes sociales, la escena también vive fuera de las paredes del club. Definitivamente tuvo un impacto en la escena misma. En los viejos tiempos, contaba tu set como DJ y tus mixtapes. Ahora, bueno, es mucho más, y a veces me entristece que se trate demasiado de la apariencia y la imagen. También debido a los períodos de confinamiento donde el techno se consumía principalmente en redes sociales. Fue un gran punto de inflexión.

 

Para repetir el ‘no todo es tan malo’, las redes sociales pueden darte más visibilidad y puede ser más fácil para los promotores que investigan más, encontrarte. Eso es un plus, pero puedo ver que para muchas personas es difícil encontrar un equilibrio saludable. A menudo abro mi Instagram y pienso: no, no era necesario que te subieras a esta tendencia de videos de influencers en las redes sociales. Sé confiada, paciente, busca tu fortaleza en tu música y habilidades propias si quieres destacar y construir algo.

¿Qué consejo le darías a alguien interesado en convertirse en DJ de vinilos en la escena techno?

¡Practica todos los días! Va a ser frustrante al principio, pero no te rindas. Encuentra amigos que puedan enseñarte algunos trucos. No seas tímido para pedir ayuda (no cometas el mismo error que yo, jaja). Y para todas las DJs principiantes, hay un camino a seguir, intenta construir algo sostenible. Es mejor ganarse un lugar que buscar el éxito fácil.

 

Finalmente, aparte de la escena electrónica, ¿qué géneros/estilos de música disfrutas escuchar?

Solía escuchar mucha música indie y electrónica, pero en los últimos años estoy escuchando más pop y hip hop fuertemente producidos. Además de eso, todavía escucho mucho material de los años ochenta, desde pop oscuro hasta los nombres más conocidos.

#basspiritmagazine 

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Cambiando la tónica de comunicar por un Gin tonic.

 

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